Marta Mielicki est membre de l'équipe d'assistance aux artistes de TuneCore.
Pour réussir dans le monde de la musique, il faut être polyvalent. Personne n'incarne mieux cette qualité que Mark Isham. Il joue de la trompette, du piano, du violon et du saxophone. Il sait programmer un synthétiseur. Il a étudié la musique classique, a joué dans des groupes de rock and roll et s'est produit dans des clubs de jazz. En plus de son travail solo récompensé par un Grammy, il a également enregistré avec des artistes aussi divers que Ziggy Marley, Bruce Springsteen et XTC. Il a écrit de la musique pour des CD de contes pour enfants et des bandes sonores de thrillers psychologiques. Il a été nommé à l'Oscar de la meilleure musique pour son travail sur A River Runs Through It. Parmi ses autres bandes originales, citons Crash, October Sky, The Black Dahlia et Save The Last Dance. Mark prendra la parole à l'ASCAP EXPO qui se tiendra du 22 au 24 avril à Los Angeles.
Même s'il est impliqué dans de nombreux projets, Mark a accepté de répondre à quelques questions pour la lettre d'information de TuneCore.
TuneCore: Avec cette incroyable liste d'accomplissements, y a-t-il quelque chose que tu ne puisses pas faire ?
Mark Isham: Eh bien, il y a un certain nombre de choses que je ne peux pas faire... Je ne peux pas descendre en rappel de la paroi abrupte d'une falaise, et la dernière fois que j'ai vérifié, je ne peux pas courir un sprint de 4,3 secondes !
TC : Quels étaient vos objectifs initiaux en tant que musicien ? Vous attendiez-vous à faire toutes les choses que vous avez faites ?
MI : C'est une question intéressante. En fait, je ne m'attendais pas consciemment à devenir un compositeur de films. J'ai toujours été très attiré par l'écriture de compositions au piano, et je me souviens que je le faisais parfois en pensant à des histoires - en inventant des petites histoires pour accompagner les compositions. Mais le métier de compositeur de films ne m'est jamais venu à l'esprit avant qu'on me le propose. Mes objectifs initiaux étaient très orientés vers la performance. Je voulais avoir un groupe, je voulais partir en tournée, je voulais faire des concerts. Je voulais prendre la musique d'improvisation et explorer de nouveaux mondes avec elle. C'était mon objectif initial. Beaucoup des nouvelles choses que j'ai en tête sont similaires à ce premier objectif. Je prévois une installation audio dont nous ferons probablement la première à New York, dans une galerie. C'est une idée que j'ai eue il y a 20 ans, mais je ne l'ai jamais réalisée jusqu'à présent.
TC : Comment vous êtes-vous lancé dans la composition de bandes sonores ? Quelle est la première partition sur laquelle vous avez travaillé ?
MI : Comme je l'ai dit, c'est arrivé presque par hasard. Carroll Ballard a demandé à me rencontrer après avoir entendu une partie de ma musique - tout à fait par hasard, en fait. Ce n'était pas à cause d'un de mes travaux, mais on lui a présenté un travail sur lequel j'avais collaboré avec Bill Douglass, le merveilleux bassiste et flûtiste, et la musique lui est parvenue par l'intermédiaire de Bill. Il m'a alors proposé d'écrire la musique de son film, Never Cry Wolf, et j'ai sauté sur l'occasion.
C'était la première bande originale sur laquelle j'ai travaillé, et j'ai essentiellement appris au fur et à mesure. Carroll était intelligent. Il a mis à ma disposition deux éditeurs musicaux très compétents (qui étaient également de merveilleux compositeurs) pour m'aider et m'apprendre les ficelles du métier pour que tout fonctionne à l'image. C'était donc une épreuve du feu, mais ça a très bien marché.
TC : Quelle est votre bande sonore préférée ?
MI : De mon propre chef - j'ai un faible dans mon cœur pour Le Dahlia Noir. C'était vraiment très amusant. Je pense que j'ai fait un très bon travail sur ce film. Et aussi Eight Below. Ces deux partitions orchestrales sont peut-être deux de mes préférées. Crash est aussi l'une de mes préférées. Never Cry Wolf, en fait, je l'ai écouté l'autre jour, et compte tenu du fait que c'était mon premier film, il tient toujours la route ! Je suis toujours très fier de cette musique.
En ce qui concerne les bandes originales d'autres personnes, je suis un fan d'Elliot Goldenthal, de Tom Newman et de John Williams, mais je n'écoute pas beaucoup les bandes originales d'autres personnes. J'écoute beaucoup John Adams et Goreki.
TC : En quoi consiste la composition d'une bande sonore ? Comment commence-t-on ? Combien de temps cela prend-il ?
MI : Une fois que je suis engagé, la première étape du processus consiste à m'impliquer dans le film lui-même dès que possible. Parfois, je suis engagé avant le tournage et je peux lire le scénario, alors je commence par essayer d'en apprendre le plus possible sur l'histoire et les idées du réalisateur en matière de musique. Souvent, le réalisateur écoute de la musique pendant qu'il tourne et, au moment du premier montage du film, le monteur a déjà quelques idées de ce que pourrait être la musique. Mais la première chose concrète que je fais, c'est le "spotting", c'est-à-dire que je m'assois avec le réalisateur et le monteur pour parcourir le film et déterminer où la musique va commencer, où elle va s'arrêter, et le but de chaque morceau de musique. C'est à ce moment-là que nous commençons à mettre en place la structure de la partition. Ensuite, je prends 2 ou 3 semaines pendant lesquelles j'aime être laissé seul, et je me contente d'écrire des thèmes et des idées conceptuelles de base et d'essayer de les placer comme des repères qui, selon moi, définissent l'utilisation de la musique dans ce film particulier. Neuf fois sur dix, ce n'est pas au début - c'est plutôt vers la fin, ou dans les scènes clés du milieu, que je sens que la musique va se démarquer et contribuer le plus. Ainsi, lorsque je montre une première version au réalisateur, nous savons si mes idées et concepts de thèmes fondamentaux vont vraiment fonctionner. Une fois que j'ai passé cette réunion, il s'agit de répartir le score à partir de là.
L'ensemble du processus prend généralement un minimum d'environ 6 semaines. Je l'ai fait plus rapidement. C'est très stressant de le faire plus rapidement, car la partition moyenne dure entre 40 et 50 minutes, et cela fait beaucoup de musique à composer, arranger et produire en 6 semaines. Deux mois, c'est plus agréable. Vous avez un peu plus de temps pour vous détendre en produisant la partition.
TC : Quels sont les avantages/inconvénients d'être un compositeur solo par rapport à la composition d'une bande originale ?
MI : Ils ont tous deux de bons et de mauvais côtés. J'ai constaté que lorsque je me remets à composer de la musique non cinématographique, je dois établir une sorte de cadre dans lequel je vais composer et écrire. J'ai découvert que le fait d'avoir un film pour m'aider à définir les limites est une bonne chose. C'est une source d'inspiration. Et franchement, si l'on regarde les compositeurs classiques du passé, c'est ce qu'ils ont fait. Vivaldi a choisi les quatre saisons et a écrit à ce sujet, ce qui l'a aidé à définir ce qu'allait être sa musique. Il y a une grande histoire de la musique programmatique, mais aussi pour moi, même si j'écris pour un groupe de jazz, si je peux définir que je veux écrire de cette façon et que je veux communiquer cette idée, c'est un bon point de départ.
Il est évident qu'au cinéma, l'idée même d'un cadre peut parfois se révéler contraignante, même si, au fil des ans, je suis arrivé à un point où je ne me sens plus contraint par ce cadre. Je pense que la seule chose dans le cinéma qui peut accumuler une certaine quantité de stress est le nombre de changements. Plus le film est commercial, plus il y a de "cuisiniers dans la cuisine", pour ainsi dire. Vous avez des producteurs, des directeurs de studio, des tas de gens qui ont des opinions, et ils ont tous l'occasion de s'exprimer. Vous devez décider quoi faire de toutes ces opinions, lesquelles doivent être prises en compte et lesquelles peuvent être ignorées, non seulement d'un point de vue esthétique et musical, mais aussi d'un point de vue politique. C'est une partie de l'industrie cinématographique qui peut parfois être un peu difficile.
TC : Pourquoi la trompette ?
MI : Ma mère est violoniste professionnelle, alors quand j'étais jeune, si aucune baby-sitter n'était disponible, elle me traînait avec elle au travail, et j'ai fini par être traîné à de nombreuses répétitions d'orchestre. Je faisais mes devoirs, et une fois que j'avais fini, je pouvais me promener. J'ai remarqué ces types au fond de l'orchestre, qui étaient comme les types cool et qui jouaient de ces instruments très forts et au son triomphant, et c'était une grande affaire quand ils entraient. Il y avait ces Italiens plus âgés à l'arrière et ils avaient ces gros sandwichs aux boulettes de viande qu'ils mangeaient quand ils ne jouaient pas - pendant qu'ils comptaient les silences. Je pensais que c'étaient les gars les plus cool de l'orchestre, et cela m'a sensibilisé à la trompette. Je venais également d'entendre de la musique pour trompette et j'ai pensé que c'était magnifique et que c'était quelque chose que je voulais faire. J'ai commencé à en jouer très tôt et je n'ai jamais regardé en arrière. Bien sûr, j'ai aussi eu une révélation à propos de Miles Davis et de la trompette en tant qu'instrument de jazz, plusieurs années plus tard. J'étais en première année de lycée et j'ai entendu Miles. J'ai dit : "Ouah, la trompette peut aussi jouer de la musique comme ça ? Maintenant, je sais que je suis vraiment accroché.
TC : Beatles ou Stones ?
MI : Je pense que pour moi, ce sont les Beatles d'abord, puis les Stones définitivement plus tard. En fait, j'ai fini par travailler et jouer avec les Stones et j'ai pu me faire une idée du talent de ces gars-là et de ce qu'ils étaient vraiment. C'est difficile d'en choisir un - j'ai les deux côtés en moi !
TC : Comme vous le savez certainement, TuneCore s'adresse aussi bien aux musiciens professionnels qu'aux débutants. Avez-vous des conseils pour nos utilisateurs qui cherchent à s'établir dans le secteur de la musique ?
MI : Il y a quelques mots qui me viennent à l'esprit, et ils sont assez généraux pour que vous puissiez les appliquer quelle que soit la profession dans laquelle vous êtes - film, ou performance, ou disques - tout ce que votre passion vous pousse à faire. Tous ces mots commencent par "P". La passion en est un, et à cause de la passion, vous devez persister. Vous devez juste continuer, peu importe votre découragement, la persistance est la clé. Et puis la promotion - vous devez faire savoir aux gens que vous faites ce que vous faites. Il faut juste le faire savoir. À l'époque où j'ai commencé, nous envoyions des cassettes. Aujourd'hui, on peut envoyer des mp3 par courriel, faire des vidéos sur YouTube et toutes sortes de choses intéressantes et fascinantes. Tu peux faire tes propres disques et les mettre sur Tunecore ! Vous faites de la promotion, vous faites simplement savoir aux gens que vous êtes là, et vous persistez dans la promotion, vous persistez dans la production, vous persistez dans la passion. Beaucoup trop de P !
Consultez le site web de Mark www.isham.com/free-film-suite-form.html pour obtenir un téléchargement mp3 gratuit de son travail.
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