Par Jeff Price
Une stagiaire de NPR a récemment publié sur son blog une déclaration selon laquelle elle n'achète pas de musique.
“Ce que je veux, c'est un énorme catalogue de musique de type Spotify qui se synchronise avec mon téléphone et divers appareils de divertissement à domicile. Avec cette nouvelle base de données universelle, tout le monde aurait un accès pratique à tout ce qui a été enregistré, et les droits de représentation seraient distribués en fonction du nombre d'écoutes (avec, espérons-le, un plus d'argent qui revient à l'artiste que le modèle actuel). Tout ce que j'exige, c'est la capacité d'écouter ce que je veux, quand je le veux et comme je le veux. Est-ce trop demander ?"
En d'autres termes, elle aime la musique mais apprécie davantage la commodité d'y avoir accès que la musique elle-même.
Ce qui a amené David Lowery, fondateur de Camper Van Beethoven and Cracker, à réagir en suggérant que la stagiaire avait perdu sa boussole morale et ne comprenait pas bien la valeur de la musique ni ne soutenait correctement les artistes qui la faisaient :
"En fin de compte, il y a trois choses "gênantes" qui DOIVENT se produire pour tout service juridique :
1. créer un compte et fournir un moyen de paiement (une fois)
2. entrez votre mot de passe.
3. Payer pour la musique
Donc, ce que vous dites vraiment, c'est que vous ne ferez pas ces trois choses. C'est trop peu pratique. Et je suppose que la partie la plus incommode est l'étape 3 du site .....
C'est bien. Mais vous devez alors vivre avec le choix moral et éthique que vous faites de ne pas payer les artistes. Et les artistes ne seront pas payés. Et ce ne sera pas la faute d'une société maléfique lointaine. C'est vous "et vos pairs" qui portez en fin de compte cette responsabilité".
Ce va-et-vient a pris son essor sur le net avec des milliers de commentaires sur une multitude de sites, un article en ligne du NY Times et une discussion dans la lettre d'information de Bob Lefsetz, certains prenant le parti du stagiaire, d'autres celui de David Lowery.
Je suis d'accord avec le stagiaire et David.
D'abord le stagiaire.
Que cela plaise ou non aux artistes ou aux labels, l'industrie doit répondre aux caprices du consommateur. Si les consommateurs n'aiment pas la façon dont ils doivent se procurer la musique, ils ne l'obtiendront pas. Pour le consommateur de musique, à un certain moment, la commodité l'emporte sur la valeur de l'art. À titre d'exemple, regardez ce qui est arrivé aux ventes de cassettes lorsque Sony a lancé le Walkman. Ce morceau de cassette de faible qualité sonore, avec une pochette d'album minuscule et des notes de pochette limitées, est passé de 4 % du marché à plus de 45 % des ventes de musique enregistrée en 18 mois, parce que les consommateurs de musique aimaient plus la commodité et les caractéristiques (dans ce cas un appareil matériel qui rendait la musique portable) que la qualité sonore et la pochette d'album de grande taille.
Heureusement, cela s'intégrait parfaitement dans l'industrie musicale existante, de sorte qu'ils pouvaient la monétiser de la même manière qu'ils monétisaient le vinyle, et à l'avenir, les ventes de CD - les choses physiques étant vendues sur des étagères physiques.
Ce contrôle majeur de l'industrie musicale sur le circuit de distribution s'est effondré avec l'avènement du Net et de la musique numérique. Cependant, le fait que l'industrie doit fournir de la musique aux masses via le véhicule de livraison que les masses préfèrent reste vrai. Vous voulez plus de preuves ? Allez acheter un mini-disque.
Passons maintenant à David Lowery.
Je suis également tout à fait d'accord avec David Lowery. Les artistes devraient être correctement rémunérés pour la valeur de ce qu'ils créent. Ce qui est "correct", c'est le débat et la tension.
Cependant, mon problème avec l'article de David n'est pas son message primordial (les artistes devraient être payés), c'est qu'il utilise dans son article des déclarations factuellement incorrectes qui, en fin de compte, contribuent à discréditer le vrai point global. Il suggère également que l'industrie traditionnelle était meilleure pour les artistes que la nouvelle industrie.
Eh bien, voici une vérité sur l'ancienne industrie qui manque à David, en quelque sorte.
Auparavant, les artistes ne roulaient pas sur l'argent. La plupart n'étaient pas admis dans le système par les gardiens. Parmi ceux qui étaient autorisés sur les grandes étiquettes, plus de 98% d'entre eux ont échoué. Oui, 98% .
Sur les 2 % qui ont réussi, moins d'un demi pour cent ont reçu une redevance de groupe provenant de la vente de musique enregistrée.
Comment se fait-il qu'un artiste fasse au moins quelque chose, aussi petit soit-il, pire que 99% des artistes non signés dans le monde ne font rien et que sur les 1% signés, moins d'un demi pour cent d'entre eux ne touchent jamais de royalties pour un seul groupe ?
Enfin, même si je déteste le dire, le fait d'être un artiste ne lui donne pas le droit d'obtenir de l'argent. Il doit le gagner. Et tout le monde ne le peut pas.
Voici quelques détails de l'affectation de David où il se trompe.
David déclare :
"Mais la plupart des contrats d'enregistrement précisent les redevances et les avances aux artistes. Les avances sont importantes pour comprendre - un paiement anticipé des droits d'auteur non gagnés. Ce n'est pas une dette, mais plutôt un pari. L'artiste n'a qu'à "rembourser" (ou "récupérer") l'avance sur les ventes de disques. Si les ventes de disques sont inexistantes ou insuffisantes, l'avance est annulée par la maison de disques. Il est donc faux de dire que les maisons de disques ne paient pas les artistes. La plupart du temps, elles ne se contentent pas de payer les artistes, mais elles font des paris sur les artistes. Et il va sans dire que les paris seront d'autant plus petits et moins nombreux que les labels paieront des avances non récupérées".
Ce n'est pas correct. Des avances sont versées aux artistes. L'artiste utilise l'avance pour enregistrer les masters et en cède ensuite la propriété ou le contrôle au label. L'artiste n'est pas "propriétaire" de la chose qu'il a créée. S'il récupère l'avance, il n'est toujours pas propriétaire des masters.
En outre, la majorité de l'avance va aux enregistrements, et non aux poches des artistes (à de rares exceptions près). Les managers, et dans certains cas les avocats, prennent également un % de l'avance comme "honoraires".
Ajoutez à cela que les labels incluent les dépenses de marketing, de vidéo et de tournée dans le cadre d'une avance qui doit être récupérée.
Ajoutez à cela la comptabilité douteuse...
David States :
"Deuxièmement, la loi oblige les maisons de disques à payer aux auteurs de chansons (qui peuvent aussi être des artistes) une redevance dite "mécanique" pour les ventes de CD ou les téléchargements de la chanson. Cette redevance est payée indépendamment du fait qu'un disque soit récupéré ou non. Le taux est prédéterminé, et la licence est obligatoire".
Ce n'est pas tout à fait vrai. Tout d'abord, il existe une disposition dans les accords des maisons de disques qui permet de ne pas payer les mécaniques sur les produits gratuits et les copies promotionnelles.
Deuxièmement, les accords prévoient un taux réduit et un plafond pour les chansons.
Troisièmement, il y a souvent plusieurs auteurs de chansons sur une même chanson, ce qui signifie que la redevance qu'il décrit est répartie entre plusieurs personnes.
Enfin, on suppose que ces redevances sont effectivement payées en temps utile et avec exactitude (ce qui n'est pas le cas).
David States :
"Il faut aussi tenir compte du fait que la grande majorité des artistes sortent des albums de manière indépendante et qu'il n'y a pas de "vraie" maison de disques".
Quelqu'un ferait mieux de dire à The Civil Wars qu'ils ne sont pas une "vraie" maison de disques, même avec plus de 3 millions d'unités vendues.
David States :
"L'idée était que les artistes compensent la perte par la vente de musique enregistrée."
Cette ligne est tout simplement fausse. Selon les mots de Monty Python, "c'est un perroquet mort". C'était exactement le contraire. Les artistes ne s'attendaient pas à gagner de l'argent avec les ventes de leur enregistrement mais via toutes les autres sources de revenus (concerts, marchandises, parrainages, etc.).
David States :
"Au cours des 12 dernières années, j'ai vu les revenus des artistes s'effondrer."
C'est empiriquement faux. Les recettes des labels se sont effondrées. Les revenus des artistes ont augmenté, et plus d'artistes gagnent plus d'argent aujourd'hui qu'à tout autre moment de l'histoire, grâce à la vente de musique préenregistrée.
Plus loin encore, un CD au prix catalogue de 17,98 dollars a rapporté à un groupe 1,40 dollar de royalties qu'il ne percevait que s'il était récupéré (plus de 99 % des groupes ne sont jamais récupérés).
Si un artiste ne vend que deux chansons à 0,99 $ sur iTunes via TuneCore, il gagne 1,40 $.
S'ils vendent un album à 9,99 dollars sur iTunes via TuneCore, ils en tirent 7 dollars.
Il s'agit d'une AUGMENTATION de plus de 700 % des revenus des artistes pour les ventes de musique enregistrée.
David States :
"Les revenus de la musique enregistrée ont baissé de 64% depuis 1999".
Et le volume a augmenté de plus de 10 000 %.
"Les dépenses par habitant pour la musique sont inférieures de 47% à ce qu'elles étaient en 1973 !!"
Oui, cela semble être vrai. En 1973, les magnétoscopes, les DVD et les jeux vidéo n'étaient pas en concurrence pour les mêmes dollars (vous vous souvenez de la campagne de la RIAA dans les années 80 - "Music More Value For Your Money ?)
David States :
"Sur les 75 000 albums sortis en 2010, seuls 2 000 se sont vendus à plus de 5 000 exemplaires".
Cette statistique révèle que les gens ont modifié leur façon de consommer et d'acheter de la musique, passant des albums aux singles (ou aux flux). Les gens n'achètent plus de 8 pistes non plus.
David States :
"Sans entrer dans les détails, 10 000 albums, c'est à peu près le moment où les artistes indépendants commencent à faire des bénéfices sur la production, le marketing et la promotion d'albums professionnels".
Ce n'est pas vrai.
David States :
"Et croyez-le ou non, c'est là que commence le problème avec Spotify. L'internet est rempli d'histoires d'artistes qui détaillent le peu qu'ils reçoivent de Spotify".
Revenons à l'apogée dont parle David. Combien de ces artistes auraient fait quelque chose ?
Aucun...
Je pourrais continuer, mais c'est suffisant.
Je suis d'accord avec le fait que la musique a de la valeur, mais David a besoin des bonnes munitions pour mener la bataille.
Les critiques de la position générale de David selon laquelle les artistes devraient être correctement rémunérés sont capables de distinguer les points incorrects sous-jacents à son soutien pour créer un écran de fumée qui fait que la plupart contournent la question de la rémunération de l'artiste.
Cela nous a fait réfléchir, George Howard et moi, à la possibilité de comparer la situation des artistes d'autrefois avec celle d'aujourd'hui.
Jetez un coup d'œil, faites-nous part de vos réflexions. Qu'est-ce qui est le mieux ? Ou est-ce que le filet est le même, avec certains des leviers qui changent ?