Nous sommes de retour avec le deuxième volet de notre série sur le management d'artistes, où nous avons discuté avec les managers actuels d'artistes indépendants de leurs rôles et responsabilités au quotidien, de l'évolution de leur position convoitée au fil des ans, et des leçons et idées fausses qu'ils ont rencontrées.
La semaine dernière, vous avez pu découvrir Vanessa Magos chez New Torch Entertainment, et cette semaine, nous sommes impatients de partager notre chat avec Mark McLewee de Red Light Management! Mark aide à la gestion quotidienne de Bonobo, ODESZA et Ki : Théorie. Regardez l'interview ci-dessous.
La façon dont les relations entre les artistes et les gestionnaires ont commencé a beaucoup changé au cours des 5 à 10 dernières années ?
Mark McLewee : Bien que je ne sois dans le métier que depuis cinq ans, cela n'a pas beaucoup changé. C'est toujours un processus : un artiste trouve un manager qui croit vraiment à la musique et à lui en tant que personne d'abord. Il est important qu'un artiste reste concentré sur la recherche de quelqu'un qui ne sera pas un béni-oui-oui ou quelqu'un à qui il suffira de tourner les clés et de dire : "Allez faire ce qu'il faut pour faire de moi un musicien à succès".
Il s'agit de trouver une personne en qui l'artiste peut avoir confiance, une personne qui croit en sa musique et qui peut la défendre. Vous voulez quelqu'un qui fasse rebondir les idées et qui soit un rappel à la réalité, mais aussi qui vous guide à travers ce paysage toujours changeant et souvent décourageant.
À l'inverse, les managers recherchent en fin de compte un artiste qui est prêt à fournir le travail requis. Un artiste qui a une vision claire de ce qu'est son art et de la façon dont il veut le présenter au monde. Il incombe au manager d'aller à la rencontre de l'artiste et de l'aider à remplir sa mission : lui offrir des opportunités de développement de sa carrière sans compromettre son art, et s'occuper de tous les détails.
Comment avez-vous commencé en tant que manager d'artistes ?
J'ai commencé comme stagiaire à la ferme des artistes, travaillant avec les infâmes "Stringdusters", en fait j'aidais partout où je le pouvais. Puis j'ai commencé à les aider avec leur marchandise et je les ai aidés à construire un site web. J'ai essayé de glaner autant que possible auprès des managers d'artistes et des membres du groupe eux-mêmes. De là, j'ai obtenu un emploi ici à Red Light, où je m'occupais de la gestion quotidienne grâce aux contacts que j'avais établis pendant que j'étais à la ferme des artistes.
La raison pour laquelle je me suis lancée dans le management d'artistes est que j'ai grandi dans une famille qui comptait des artistes et des musiciens professionnels. Je voulais pouvoir aider les artistes à partager leur art avec le monde tout en les aidant à maintenir une petite entreprise, car c'est ce que sont la plupart des artistes : une petite entreprise dont ils sont le PDG. Il est important de s'assurer que lorsque leur carrière musicale est terminée, ils ont quelque chose sur quoi s'appuyer et sur quoi compter après tout ce dur labeur.
En tant qu'artiste, vous entrez dans le monde de la musique pour la première fois, et vous vous y lancez un peu aveuglément - vous ne savez pas à quoi vous devez faire attention.
Quelles sont les principales leçons que vous avez apprises en tant que manager d'artistes au fil des ans ?
Je pense que la bonne musique l'emportera. Elle a une façon de se faire entendre et de se faire connaître du public. Le travail d'un manager est de faciliter cela et de faire en sorte que votre artiste soit récompensé autant et aussi équitablement que possible pour avoir créé cette musique. C'est un peu décourageant de prendre une musique médiocre et d'en faire quelque chose de durable qui peut générer des revenus pour un artiste. C'est un grand cadeau de trouver un artiste qui fait de la musique étonnante, et c'est notre responsabilité en tant que managers de s'assurer qu'ils sont récompensés pour cela.
Je suppose que le vieil adage "Ce n'est pas ce que vous savez mais qui vous savez" est toujours aussi vrai dans le monde de la musique. Même s'il y a des histoires d'horreur sur des managers, des agents et des avocats qui profitent des artistes, il y a vraiment beaucoup de bonnes personnes dans l'industrie de la musique qui se soucient vraiment de la musique et des artistes. Il peut être plus difficile de retrouver ces personnes, et il semble beaucoup plus facile de trouver des gens qui sont prêts à venir et à vous ajouter à leur liste. Mais si vous parvenez à trouver une équipe formidable, cela finira par faire une énorme différence dans votre carrière.
D'après votre expérience, quelles sont les principales idées fausses sur le(s) rôle(s) d'un manager d'artistes ?
C'est difficile à dire pour moi. Je pense qu'au moins une idée fausse est qu'il y a une sorte de sentiment "Si je me lie avec un manager, il saura quoi faire et je peux juste faire de la musique". Ils vont diriger le navire et me dire ce que je dois faire et me guider. Ils s'occuperont de tout". C'est une mentalité de "remise des clés". Je ne veux pas insister sur la notion de petite entreprise, mais l'artiste doit être le leader et la personnalité de son entreprise. Même si vous avez un directeur en place, et plus tard une équipe plus importante, vous (l'artiste) êtes toujours la force directrice centrale, et votre équipe doit savoir que vous vous y investissez autant qu'elle.
Cela devient beaucoup plus un partenariat que de simplement laisser quelqu'un d'autre diriger. Il y a certainement des managers qui feront cela, mais pour moi, ce n'est pas une relation durable qui se transforme en une carrière à vie, une relation où un artiste regarde en arrière de 10 ans sur la musique qu'il peut soutenir.
Expliquer l'importance de gérer les attentes d'un artiste lorsqu'il s'agit d'obtenir les résultats souhaités pour un objectif de carrière donné.
Je pense qu'il est important, dans tous les aspects de la vie, que vos attentes soient modestes et que vous espériez le meilleur tout en prévoyant le pire. Surtout avec les jeunes artistes indépendants - il y aura toujours cette phase de transition entre le musicien amateur et le musicien professionnel - et ce n'est pas un retournement de situation de travailler 40 heures par semaine pour devenir musicien professionnel. Cela peut durer des mois, quelques années (voire jamais) ; il y a une étape où les artistes doivent doubler leur temps de travail à plein temps et leur carrière musicale à plein temps. De nombreux jeunes artistes qui voient d'autres personnes se lancer dans cette voie de manière indépendante ne voient pas que ces personnes ont également franchi ces étapes de leur carrière.
Lorsque vous commencez à travailler avec un artiste qui n'a pas le réseau d'un agent de réservation, d'un publicitaire, etc.
Si vous n'aviez pas ces connexions intégrées, je pense qu'il y aurait beaucoup à dire sur la façon de se lancer en tant qu'artiste, et de se débrouiller autant que possible. En tant qu'artiste indépendant, vous devriez avoir envie de dire "J'ai vraiment besoin d'un manager ou d'un agent" lorsque vous avez épuisé votre énergie et vos relations personnelles. Et lorsque vous êtes au stade où des opportunités se présentent à vous et que vous avez besoin d'aide pour les saisir.
Les gens reconnaissent l'ardeur et le véritable talent artistique. Qu'il s'agisse de rester debout toute la nuit à trouver des blogs de musique et à écrire à chacun d'entre eux, de frapper à la porte de votre salle de concert locale pour obtenir un créneau d'ouverture - ce sont des pièces de théâtre de hustle que les gens, en particulier les managers, reconnaissent et avec lesquelles ils veulent travailler. En tant que manager, c'est génial d'avoir un artiste qui travaille aussi dur que vous pour égaler cette énergie. Une connexion mène à une autre, et ça fera une sorte de boule de neige à partir de là. Il ne s'agit pas seulement de rester assis devant son ordinateur à écrire des tweets, mais de se mettre en avant et de partager sa personnalité et son dynamisme avec les autres.
Du point de vue de la gestion, l'industrie est pleine de relations personnelles qui peuvent aider à construire une équipe sans avoir besoin d'un label. Les personnes partageant les mêmes idées ont tendance à graviter les unes vers les autres et, en tant que manager, plus vous vous éloignez, plus il est facile de trouver une équipe qui partage votre vision et votre éthique du travail.
Alors que de plus en plus d'artistes souhaitent conserver leur statut "indépendant", comment les managers peuvent-ils contribuer à cet objectif ?
Sans aucun doute. Si vous voulez parler de la différence entre aujourd'hui et il y a 10-15 ans, il est tout à fait possible d'y aller les yeux grands ouverts en sachant et en étant pleinement conscient de ce dans quoi vous vous embarquez. Il faut savoir qu'il est possible de conclure des accords avec des labels qui sont plus avantageux pour les deux parties et qui ne dépendent pas seulement de tonnes de ventes. Il existe toutes sortes de grandes sociétés de relations publiques et de promotion radiophonique indépendantes qui peuvent vous aider à faire toutes ces choses qui n'étaient auparavant que ce mystère derrière le mur d'un label.
Cela dit, une étiquette bien travaillée peut être un excellent complément à votre équipe. Nous avons la grande chance de travailler avec un label indépendant qui est très réceptif à la vision des artistes et qui va fournir la même quantité de travail que vous. Il n'est plus nécessaire d'être sur un grand label pour "réussir". Personnellement, avant de me lancer dans le monde de la musique, j'avais l'impression qu'il y avait une sorte de "oui ou non" en ce qui concerne le succès des artistes. Il y a certainement un continuum de succès, et il n'y a pas de formule à suivre.
Lorsqu'on vous présente un contrat de label pour l'un des artistes avec lesquels vous travaillez, quels sont les facteurs que vous et eux devez prendre en considération ?
Il y a deux aspects à cela, l'un étant le niveau d'engagement que le label est prêt à mettre en avant ; pas nécessairement en termes financiers, mais essentiellement en mettant en avant une équipe légitime qui est prête à se battre pour nous comme notre agent ou notre avocat quand il est temps de le faire. Je pense qu'il y a de grands labels indépendants qui ont des gens bien qui aiment la musique et qui la défendent, mais ce ne sont pas toujours les labels qui viennent frapper à la porte des contrats de disque.
L'autre aspect est probablement plus évident : il faut s'assurer que les conditions du contrat sont équitables pour votre artiste afin de ne pas lui céder trop de contrôle. C'est là qu'en tant qu'artiste, vous voulez avoir un manager et un avocat qui ont travaillé sur plusieurs contrats récents.
Le fait d'avoir l'approbation d'un label crédible peut certainement ouvrir des portes à un artiste, mais si la bonne équipe n'est pas en place, cela ne servira pas l'artiste à long terme.
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