Pour conclure notre série d'entretiens sur la gestion des artistes, nous avons discuté avec Paul Steele, vétéran de l'industrie musicale et fondateur et PDG de Good Time, Inc. Paul travaille avec des artistes d'une manière ou d'une autre depuis une quinzaine d'années, se mouillant les pieds à l'université. Responsable de la gestion de Drew Holcomb & the Neighbors, Judah and the Lion, Ellie Holcomb et Kris Allen, Good Time Inc. est une société de gestion, de services de label et de marketing.
Paul nous a expliqué comment il s'est impliqué en tant que représentant d'Aware Records, l'importance de maintenir une "mentalité de passe-temps" dans l'industrie de la musique et pourquoi être une bonne personne dans les affaires peut faire beaucoup de chemin.
Depuis combien de temps êtes-vous dans le management d'artistes et comment la façon dont la relation manager/artiste commence a-t-elle changé au cours des 5 à 10 dernières années ?
Je fais cela depuis environ 2000. J'ai commencé à l'université quand j'étais à la TCU à Ft. Worth. J'avais ma propre entreprise, puis je l'ai fusionnée avec deux autres entreprises pour former Trivate Entertainment en 2005. J'ai créé Good Time Inc. en 2011.
La relation est toujours assez fluide. Cela dépend de l'état d'avancement de la carrière de l'artiste au moment où vous commencez avec lui. Quand vous commencez avec un jeune artiste, il a les yeux un peu plus grands, donc vous l'aidez à avoir des visions, et vous faites beaucoup plus pour lui parce qu'il vient juste de commencer. Par contre, si vous travaillez avec un artiste plus établi, il se peut qu'il ait déjà travaillé avec d'autres managers ; il y a donc une description de poste différente. Oui, la relation a changé avec le temps, mais elle est aussi très liée à l'état d'avancement de la carrière de l'artiste.
La gestion, c'est comme le mariage. Si vous travaillez avec quelqu'un qui a eu deux managers, vous travaillez en fait avec quelqu'un qui a vécu deux divorces. Le meilleur manager est comme le "chef de cabinet" de l'artiste.
Comment avez-vous commencé en tant que manager d'artistes ?
C'était un accident complet. En première année d'université, j'étais en prépa de droit ; une majeure en philosophie avec une mineure en psychologie. À cette époque, Napster venait de sortir et je découvrais une tonne de musique. MySpace n'était même pas encore une histoire, encore moins une idée. Il n'y avait pas beaucoup de moyens au-delà du bouche à oreille, Napster, Morpheus et KaZaA. Pour moi, l'université a été une excellente période pour découvrir de nouveaux centres d'intérêt, comme je pense que c'est le cas pour beaucoup, et il y avait des gens qui faisaient de la musique en ville. J'aimais faire de la promotion, alors j'ai aidé à monter quelques spectacles.
Enfant, j'étais la marionnette musicale de ma mère - elle pensait que j'allais être le cadeau de Dieu au monde et ce n'était pas le cas. J'étais un terrible musicien. J'aimais vraiment la sensation de faire entendre la musique et j'ai commencé à promouvoir plus de spectacles et de groupes. J'écoutais aussi beaucoup la station de radio de l'université et je me souviens du premier single de I Train, "Meet Virginia", qui est sorti.
C'était un petit groupe sans nom de San Francisco, sur un petit label de Chicago. Je l'ai découvert en allant chez le disquaire et en voyant Aware Records au dos du disque, et j'ai fini par être un représentant d'Aware pendant quelques années (l'un des seuls au Texas). Pendant cette période de deux ans, ils ont signé John Mayer, Five for Fighting, passant d'un label de cinq personnes à Evanston, IL, à une centrale électrique avec un contrat en amont avec Columbia. C'est ce qui a vraiment piqué la curiosité, ils (le personnel d'Aware Records) sont devenus mes mentors. J'ai beaucoup appris avec Aware, je pensais en connaître une tonne, et tous les six mois je réalisais que je ne savais rien. J'ai continué à trouver des groupes avec lesquels travailler. J'ai abandonné l'école plusieurs fois, je suis parti en tournée, j'ai travaillé gratuitement sous la direction de quelques managers - j'ai en quelque sorte fait tout ce que je pouvais faire pour travailler dans le monde de la musique. L'université est une carte de sortie de prison pour faire des choses stupides et (la plupart du temps) ne pas les voir ruiner votre vie.
Au cours de ces années, quels sont les principaux enseignements que vous avez tirés en tant que manager d'artistes ?
C'est probablement le plus grand avantage, qui m'a été transmis par un mentor, qui est de traiter toutes les personnes que vous rencontrez dans ce secteur avec le plus grand respect possible ; parce qu'on ne sait jamais si on va travailler avec elles. Une grande partie de cette activité est donc une question de chance, et vous ne savez pas quand la chance va frapper quelqu'un. Ne condescendez jamais quelqu'un parce que vous vous sentez mieux ou plus puissant qu'lui. Vous ne savez jamais vraiment où les choses vont les mener... ou vous - vous pourriez avoir besoin d'une faveur de leur part dans quelques années !
Deuxièmement, sous le même éclairage, être une personne. Une grande partie de cette activité est transactionnelle - demander à quelqu'un comment se passe sa journée est une bonne chose. Les connards ne gagnent plus autant qu'avant. Vous vous sentirez mieux dans votre peau à la fin de la journée et vous tirerez peut-être plus de cette relation parce qu'ils vous aiment bien.
Troisièmement, le commerce de la musique est un passe-temps qui permet aux gens de gagner de l'argent à différents moments de leur vie. Nous essayons de gagner de l'argent avec l'art, et je n'ai jamais perdu cela de vue. Les gens avec qui je travaille, je suis très reconnaissant de travailler avec eux, mais c'est une industrie très volatile. Chaque fois que cela devient quelque chose que je n'apprécie pas, je peux partir. Je suis heureux d'être payé et de payer plusieurs personnes pour un passe-temps. L'industrie du divertissement contribue à moins de 1 % du PIB de l'ensemble de l'Amérique. Faites-le parce que vous aimez le faire et que vous allez travailler comme un fou. Ne vous attendez pas à ce que ce soit un travail normal. La seule façon de réussir est de faire tout ce que vous pouvez.
D'après votre expérience, quelles sont les principales idées fausses sur le(s) rôle(s) d'un manager d'artistes ?
La gestion est de loin le pire métier du secteur de la musique. Si je dis cela, c'est parce que c'est le seul métier qui n'a pas de lignes de définition claires. Quand vous signez avec une agence de réservation, vous savez exactement ce que vous obtenez. Ils vous obtiennent des spectacles, ils vous font faire des tournées, et ils vous font participer à des festivals et vous offrent des billets à prix réduit. Lorsque vous signez avec un label, ils obtiennent un disque payé, enregistré et distribué. Les publicitaires - vous engagez quelqu'un pour vous faire passer des critiques, sur des blogs, (avec un peu de chance sur des émissions de télévision) - vous savez pourquoi vous les engagez.
La gestion est le fourre-tout. Et personne n'est bon en tout. Il y a des gens qui se spécialisent dans toutes sortes de choses. Nous avons une équipe de six personnes et ils ne travaillent que sur quatre artistes. Le management représente probablement 75% du travail de 11 personnes au total. Et nous sommes une société de gestion de taille décente pour notre liste. Vous pouvez faire dix grandes choses pour la carrière d'un artiste, mais si vous n'avez pas obtenu la seule chose qu'ils voulaient, vous pouvez être licencié. Les managers sont censés aider à la presse, aux réservations et aux services de label dès maintenant. Finalement, nous avons décidé que si nous devions faire ces choses, nous devrions créer des entreprises pour ces choses. Nous ne voulions pas vraiment devenir une société de marketing.
C'est juste drôle. Les gens attendent le monde, et personne ne peut le faire.
Expliquer l'importance de gérer les attentes d'un artiste lorsqu'il s'agit d'obtenir les résultats souhaités pour un objectif de carrière donné.
Nous faisons du mieux que nous pouvons, et la seule façon d'y parvenir est de connaître les attentes des clients. Tous les six mois, nos artistes se fixent des objectifs. Nous établissons des objectifs pour six mois, un an et une "liste de rêve". Avec qui voulez-vous faire une tournée ? Voulez-vous passer à la télévision ? Quel genre de spectacles ? Cela me donne l'occasion de dire : "Eh bien, ça n'arrivera pas". Ou, "C'est une bonne idée". Personne ne devrait travailler plus dur que l'artiste. Il est important d'avoir des objectifs qui peuvent être revus chaque mois et cochés.
Beaucoup de managers pensent qu'ils ont trouvé ce talent incroyable. Je vois des gens talentueux partout sur le chemin du travail tous les jours. S'ils n'ont pas la bonne éthique de travail, ils ne peuvent pas s'en sortir. Les gens ont tendance à oublier qu'il s'agit d'un travail.
Certains artistes s'efforcent de rester "indépendants". Quels sont les éléments clés de cet objectif et que peuvent faire les managers pour maintenir cette identité ?
Je pense que cela dépend de l'artiste et du stade de sa carrière. Drew Holcomb and the Neighbors sont farouchement indépendants, mais ils ont dix ans de carrière et ont déjà travaillé pour des labels. Pour un type comme Drew qui n'est pas redevable à la radio, il restera probablement indépendant. Sa femme, Ellie, est un créneau et nous avons eu du succès à la radio, mais elle restera probablement indépendante.
Nous voulons faire ce que l'artiste estime être le mieux pour ce qu'il veut accomplir. Nous avons des artistes qui veulent être indépendants, et nous avons des artistes qui pourraient bénéficier d'un label si le cadre était correct. Nous n'avons pas besoin d'un label pour tous ceux avec qui nous travaillons, mais je ne pense pas que les labels soient mauvais. Il y a beaucoup de bons labels, indépendants et majors - juste par rapport aux besoins de votre artiste.
Quand on va à la radio, on n'a pas de Coldplay pour s'en servir. Il n'y a pas de mentalité unique pour tous les artistes. Pour citer Drew Holcomb : "C'est le pire moment pour faire un massacre dans le monde de la musique. C'est le meilleur moment pour gagner sa vie". Il y a plus d'artistes indépendants qui paient leurs factures avec leur musique qu'il n'y en a jamais eu dans l'histoire, et c'est formidable.
Dans le cas où un contrat de label vous est proposé pour un artiste en 2015, quels facteurs l'équipe artiste/gestionnaire doit-elle prendre en considération ?
Encore une fois, je pense que cela dépend du type de musique que vous faites. La réalité est que vous ne récupérerez probablement jamais les disques si vous faites un gros contrat. De mon point de vue, je veux une garantie qu'il y aura de l'argent dépensé pour la promotion.
Ce terme est très important pour moi aussi. Si les choses tournent mal, je ne veux pas que l'artiste soit coincé sur un label sans possibilité de faire un autre disque. Tant que mon artiste est dans une position où il va être promu et qu'il peut créer en permanence, c'est très important pour moi.
Beaucoup de ceux avec qui vous pourriez signer sont des sociétés différentes au moment de la sortie d'un album. Si le gars ou la fille qui vous fait entrer quitte le label, vous êtes potentiellement foutu. Il est difficile de se fier à la relation avec le label car elle est volatile (ce qui est moins vrai pour les labels indépendants). La seule raison pour laquelle je signerais avec quelqu'un est que si c'est un grand label, c'est pour qu'il veuille être vraiment célèbre. Il est presque impossible d'atteindre l'ubiquité en tant qu'indépendant.
Vous impliquez-vous dans l'octroi de licences et l'édition de vos artistes ?
Nous essayons de ne pas être titulaires de droits d'auteur. Nous nous considérons comme une véritable entreprise de services. Nous aidons plutôt à entretenir, distribuer et commercialiser/promotionner les disques, puis nous sommes payés un peu plus pour faire ces choses plutôt que d'en être propriétaire. Nous préférons être payés pour notre travail et notre travail plutôt que d'obtenir une réclamation de droits d'auteur. Techniquement parlant, c'est peut-être une mauvaise affaire, mais je pense que c'est une bonne affaire . Je préfère travailler pour quelqu'un pendant 20 ans et ne jamais rien avoir à faire avec les droits d'auteur - et c'est une mentalité de passe-temps. Je veux que les artistes gagnent, et c'est pourquoi je me suis lancé dans le management.
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