Interview - Adam Watts sur Art & Commerce, Nouvel album, plus

Adam Watts est un producteur, un chanteur et un auteur-compositeur qui a acquis une tonne d'expérience dans les industries de la musique et du divertissement. Qu'il ait publié ses propres albums, travaillé avec Disney ou cofondé Broken City Artists, sa propre société de développement et de formation d'artistes, Watts apporte un éclairage unique sur ce que signifie être un artiste indépendant en 2016. En plus de tout cela, Adam a contribué à la vente de plus de 50 millions d'albums dans le monde entier en tant que producteur et auteur-compositeur.

Il vient de sortir son dernier long-métrage, Le héros et la douleuret a eu la gentillesse de se plonger dans une longue discussion avec nous. Lisez ci-dessous ce que dit Adam sur l'art et le commerce, la collaboration avec d'autres artistes et la recherche d'un équilibre entre la créativité artistique et la survie :

Votre écriture est personnelle, adulte et convaincante. Mais vous avez aussi une vie antérieure d'écriture et de production pour des artistes sous Disney. Parlez-nous un peu plus de cela !

Adam Watts : Je me suis souvent senti comme un paradoxe enveloppé dans une dichotomie vivant dans des univers parallèles ! C'est drôle les endroits où la vie vous emmène quand vous y allez tous les jours. Ma priorité numéro un a toujours été de m'exprimer personnellement à travers mon travail en solo et d'être aussi intransigeant et honnête que possible dans ce domaine. Et en même temps, j'ai toujours eu cette attitude que, quoi qu'il arrive, j'allais gagner ma vie grâce à la musique et créer, créer, créer chaque jour pour que cela se réalise. Je ne pouvais pas supporter l'idée de faire un travail non créatif.

L'écriture et l'enregistrement de chansons - littéralement des centaines - en tant qu'expression personnelle étaient au cœur de ma vie, mais je me suis rendu compte qu'en faisant ma propre musique, j'avais développé ce large éventail de compétences que je pouvais utiliser d'autres façons. J'aime tous les styles de musique et j'ai vraiment apprécié de naviguer entre différents genres en tant qu'auteur, producteur, musicien, ingénieur et mixeur.

En tant qu'artiste solo, j'ai toujours créé dans la solitude, ce que j'adore, mais sortir de ma musique solo m'a toujours semblé être plus une affaire de relations, de plaisir ou de construction de carrière ; un peu moins un effort personnel d'expression de soi. J'ai donc commencé à collaborer avec un type formidable - qui jouait en fait de la guitare dans mon groupe à l'époque - Andy Dodd.

Donc, entre l'écriture et l'enregistrement de mes propres trucs, nous passions des journées à écrire et à enregistrer, et nos nuits à jouer dans des groupes de reprises pour gagner quelques dollars afin de payer les factures et acheter du matériel. Nous avons rejoint cette société appelée TAXI et nous avons commencé à écrire des chansons pour nous présenter à leurs listings. Une chose en entraînant une autre, puis une autre et soudain nous nous sommes retrouvés avec deux disques d'or comme producteurs pour un (alors) nouvel artiste dans le monde chrétien, Jeremy Camp, j'ai rencontré son bassiste dans un club à Laguna Beach et je lui ai donné mon CD solo et cela nous a mis en relation avec Jeremy. Puis, grâce à TAXI, Andy et moi avons trouvé une chanson qui a tout changé. La chanson s'appelle "Beautiful Soul" pour un artiste nommé Jesse McCartney, que nous avons écrite et produite.

Cette chanson nous a permis de décrocher des contrats d'édition très lucratifs avec Walt Disney Music Publishing et est devenue un succès mondial. Enorme aux États-Unis et numéro un dans plusieurs pays. Ce fut une période époustouflante. C'est fou ce qu'une bonne chanson au bon moment peut faire. C'était ironique qu'une chanson pop aussi douce dans un genre qui était vraiment en dehors de ce que j'avais l'habitude d'écrire, soit devenue celle qui a ouvert toutes les portes.

À peu près à la même époque, j'ai décroché un contrat en tant qu'artiste solo avec le label sur lequel travaillait Jeremy Camp (Tooth & Nail/BEC (EMI)) et la vie est devenue vraiment intéressante. Les univers de carrière parallèles étaient nés ! J'ai tourné avec Jeremy alors que "Beautiful Soul" grimpait dans les charts et je crée des deux côtés de cette barrière depuis. J'ai vraiment pris dans ma boîte à outils pour faire cette autre musique, la plus ouvertement pop.

C'était très bizarre d'écrire une chanson pour un projet Disney comme High School Musical, Hannah Montana ou Camp Rock et plus tard dans la même journée, d'écrire quelque chose pour moi-même qui n'était en aucune façon proche de cet univers. C'était une expérience créative très ancrée et surréaliste.

Après quelques années, les redevances de Disney ont commencé à financer ma carrière d'artiste et j'ai pu créer ma propre musique d'une manière totalement intransigeante, tout en faisant des compromis dans presque tous les domaines du monde de Disney. Je n'ai fait que ce qui était nécessaire pour le projet, ce qui était un défi amusant. C'était plus qu'un peu fou et humiliant pour mon ego de vivre cette double existence, mais aussi vraiment cool. Classez ça sous les problèmes de la classe supérieure ! Je me sens chanceux d'avoir vécu ces expériences. Nous avons produit les premiers enregistrements de Miley Cyrus et de Demi Lovato pour Disney. C'est très intéressant de les avoir entendues et d'avoir travaillé avec elles si tôt dans leur carrière. Ce sont toutes deux des chanteuses très talentueuses.

Stylistiquement, ce n'était pas toujours super polarisé non plus pendant ces années, nous faisions toujours des disques avec Jeremy Camp et plus tard avec Colton Dixon ainsi qu'avec d'autres groupes comme Switchfoot, Plain White Ts, Cherri Bomb, Hey Violet et d'autres. Je faisais mes albums et je jouais des spectacles avec mon groupe. Un style de vie vraiment éclectique, qui a été un vrai plaisir.

En tant qu'artiste et écrivain avec son propre style et sa propre direction, avez-vous hésité lorsque Disney vous a approché ?

Je l'étais et je ne l'étais pas. Je ne vais pas mentir, mon sens le plus profond de l'intégrité en tant qu'artiste était tout à fait conscient de la qualité über-pop, axée sur la jeunesse, d'une grande partie de la musique que je faisais chez Disney. L'idée que je répondais aux besoins d'une entreprise m'a toujours un peu froissé en tant qu'artiste qui place l'expression personnelle en dehors du commerce, comme ma première priorité. Mais, en fin de compte, c'est génial d'être payé pour sa créativité et ça soulage le stress ! Les avances de l'éditeur et l'argent de la production qui arrivait étaient incroyables, et j'avais encore beaucoup de temps pour faire mon propre art, donc dans l'ensemble, c'était difficile à laisser passer. En gros, je subventionnais mes vrais désirs avec mes désirs compromis. Ce n'est pas une mauvaise affaire.

En outre, pour être honnête, Disney est une marque que je respecte. Disneyland et les films Disney ont fait partie de mon enfance, donc c'est assez cool et surréaliste de pouvoir contribuer à la musique qui fait partie des souvenirs d'enfance des autres par le biais de cette même marque.

Disney est synonyme de quelque chose de positif, et ils ont un certain ensemble de normes qui imprègnent l'entreprise d'une manière cool. Le monde du divertissement après Walt Disney est un endroit différent. Il est l'un de ces rares visionnaires, uniques et changeants, qui ont créé une entreprise incroyable qui a vraiment touché les gens et la culture d'une manière aussi envahissante et positive. Cet esprit est toujours vivant aujourd'hui, en particulier dans les départements animation et parcs, avec lesquels j'ai également eu le plaisir de travailler.

Bien que mes propres ambitions en tant qu'artiste dépassent largement ce que Disney exigeait de moi sur le plan créatif, c'est aussi formidable de voir mon travail au cinéma et à la télévision et de pouvoir aller à Disneyland et écouter des chansons que j'ai écrites dans le parc. Andy et moi avons écrit la chanson qui joue tous les soirs pendant le feu d'artifice. J'entends le bruit des feux d'artifice depuis ma maison tous les soirs vers 21h30 et je sais que notre chanson est très forte ! C'est un peu trippant.

C'est amusant d'essayer de relever le défi d'écrire quelque chose pour un projet préexistant pour Disney ou toute autre compagnie ou artiste. C'est un privilège d'être payé pour inventer des choses ! Je ne prends pas ces opportunités pour acquises. Cela dit, rien ne vaut le fait d'écrire une chanson à partir d'un lieu personnel et d'avoir des gens, ne serait-ce qu'une seule personne, qui s'y rattache de manière profonde et personnelle. C'est de cela qu'il s'agit vraiment.

La notion de travail avec les marques a beaucoup évolué au cours des 15 dernières années. Pesez sur la façon dont les artistes semblent aujourd'hui aborder le fait de rester fidèles à leur vision tout en gagnant leur vie.

C'est une question difficile ! Super compliqué. Lorsque l'expression personnelle d'un artiste est ensuite réorientée et utilisée pour vendre un produit, j'ai souvent l'impression qu'il y a un décalage d'intention qui peut sembler un peu grossier. C'est pourquoi tant d'artistes, en particulier les artistes classiques, sont connus pour ne pas laisser leur musique être utilisée pour vendre des choses. Mais le commerce a tellement changé que les artistes sont dans une position où ils doivent prendre ce qu'ils peuvent obtenir et beaucoup n'ont pas le luxe de ce genre d'intégrité artistique. Si l'on a le choix entre l'idéalisme et la pauvreté, quelque chose de primal entre en jeu !

Cela dit, je pense que ce qui peut sembler un peu étrange dans ce genre de choses, c'est que, trop souvent, l'impact émotionnel de l'art est utilisé pour manipuler les émotions des gens afin de les faire aimer un produit ou pour essayer de créer une association consciente (ou même subconsciente) entre le produit ou l'entreprise et le consommateur. Selon le produit, cela peut être très délicat. Il y a quelque chose d'un peu troublant à ce sujet : quelqu'un écrit une chanson personnelle et légitime, puis une entreprise l'utilise pour vendre du nettoyant pour cuvette de toilettes. Hmm ! Cela ne semble pas très important, mais si on multiplie cela par un million de chansons et un million de publicités, on commence à se demander à quel point cette mentalité capitaliste a un effet négatif sur la façon dont nous apprécions et percevons l'art et les artistes. Il y a des problèmes plus importants en jeu.

Chaque artiste doit juste décider par lui-même comment naviguer dans ces choses et suivre son instinct. Comme je l'ai déjà dit, si vous pouvez faire de la musique et gagner votre vie en la faisant, le compromis vient souvent avec le territoire, et il y a des choses pires dans la vie. Par exemple, il faut se demander d'où viendra son prochain repas ou s'il est possible de quitter la maison sans se faire tirer dessus. Pouvoir prendre les arts au sérieux est un privilège. Cela dit, chacun doit tracer sa propre ligne dans le sable et être fidèle à lui-même s'il le peut.

Il existe une théorie en psychologie appelée "la hiérarchie des besoins de Maslow". Ça vaut la peine de la chercher sur Google ! Cependant, la théorie de Maslow est la suivante : plus nous sommes proches de la lutte pour satisfaire nos besoins de survie les plus fondamentaux comme l'eau, la nourriture, le logement, les relations, etc., moins nous avons d'énergie et de capacité à considérer en profondeur des choses comme l'éthique, la moralité et la signification et la valeur de l'art, de la foi et de la philosophie. Il est donc compréhensible de considérer que lorsqu'un artiste vit au mois le mois, en grattant, il est peut-être plus difficile d'avoir l'esprit haut et de conserver sa vision et son intégrité artistique tout en essayant de payer les factures ! Il est cependant difficile de nier que beaucoup d'artistes que nous respectons vraiment depuis 50 ans sont ceux qui ont fait très attention à la façon dont ils s'alignent sur les marques.

Ce n'est pas non plus une affaire réglée d'avance. Il y a bien sûr des cas où l'artiste et la marque ont une relation unique et authentique, tout s'aligne et cela peut être génial. Mais c'est définitivement une pente glissante et on peut dire, à ce stade, que c'est un compromis nécessaire pour certains artistes. Est-ce que je refuserais une belle et grosse redevance de synchronisation pour une publicité nationale ? Ce serait difficile, sauf si je déteste le produit ou si je promeut un système de croyances avec lequel je ne suis pas d'accord. Cela dépendrait de la chanson et du produit. C'est une question difficile ! Le marketing est en fait un peu un art en soi.

Jusqu'à présent, comment l'intersection de l'art et du commerce a-t-elle le plus changé (ou peut-être s'est-elle élargie ou rétrécie ?) depuis que vous avez commencé à écrire et à produire de la musique ?

Ah oui, la tension entre l'art et le commerce ! J'ai vécu dans cette tension pendant la plus grande partie de ma vie. Essayer de mêler le capitalisme à une expression artistique authentique, c'est comme mélanger l'huile et l'eau. Elles peuvent exister côte à côte, mais les mélanger vraiment est un exercice de futilité la plupart du temps.

L'omniprésence de l'internet et des smartphones a presque tout changé ! Les gens apprécient toujours vraiment la musique mais, grâce à la technologie, ils l'apprécient moins directement liée à la dépense d'argent. Vous voulez entendre une chanson ? Allez sur YouTube et voilà. C'est une situation paradoxale pour les créateurs soucieux de leur carrière. Les budgets des productions et les avances pour les contrats d'édition ont tous lentement fait un plongeon parce qu'il est plus difficile de monétiser directement la musique elle-même. Les chansons et les enregistrements sont souvent considérés comme des outils de marketing. C'est pourquoi les labels sont passés à 360 accords.

Le fait est qu'avoir une musique géniale, unique, reste absolument essentiel. C'est juste qu'il y a une tendance à ce que la musique soit là pour jeter les bases et créer de la valeur pour tout le reste... Des choses comme les tournées, le merchandising, etc. Je pense que tout cela est un peu détraqué en ce moment. J'espère que le pendule va revenir un peu en arrière et que la musique elle-même sera plus régulièrement valorisée pour ce qu'elle est, afin que les créateurs de contenu puissent être payés équitablement et continuer à gagner leur vie en créant. Si elle reste comme elle est maintenant, ou si elle continue comme elle est, il sera de plus en plus difficile de faire carrière comme auteur, producteur et même comme artiste.

L'idée qu'il n'y a plus de "sold out" peut sembler dépassée, mais pensez-vous que les artistes qui débutent leur carrière ont besoin de fixer une limite quelque part ?

C'est une excellente question. Une à laquelle j'ai beaucoup réfléchi. Je pense que la vente est largement dans l'œil du spectateur. Tout dépend de la définition qu'on en donne. Pour moi, c'est plutôt un échange. On pourrait dire que je me suis vendu des centaines de fois, mais de la façon dont je vois les choses, j'ai réussi à créer une jolie petite barrière autour de l'intégrité de mon art solo en gagnant ma vie par d'autres moyens. Pour moi, c'était un échange vers le haut, pas une vente.

Cela dit, ce n'est pas facile pour l'âme ! Vraiment difficile en fait. Certains jours, je pouvais à peine supporter le fait de faire de la musique qui était si manifestement orientée vers le commerce, alors que je voulais vraiment faire quelque chose de plus personnel et de plus significatif pour moi.

Si vous créez votre musique dans un but purement personnel, avec la porte du commerce fermée et verrouillée, et qu'ensuite vous évaluez comment vous pourriez la monétiser, cela semble être l'un des moyens les plus sains et les plus gratifiants, artistiquement parlant, de chercher à construire une carrière. Une carrière qui est profondément ancrée dans l'authenticité. Les gens l'ont fait. Mais cela ne fonctionne que si ce que vous créez naturellement a un marché, ou peut créer un marché ! Mais de nos jours, grâce à Internet, vous avez plus de chances de trouver votre public et donc votre marché, ce qui est tellement étonnant. Tunecore est une force vraiment positive pour faciliter cela.

D'un autre côté, si nous restons assis toute la journée à essayer de créer de la musique qui va rapporter de l'argent, c'est le genre de vente qui, pour moi, est préjudiciable. Il y a eu des périodes dans ma vie où les choses se sont déséquilibrées et cela m'a vraiment épuisé. Vous privez le monde de votre meilleur travail. Imaginez si tout le monde faisait cela ? Créer en pensant à l'argent ou à la gloire comme objectif... Nous n'aurions plus d'art réel, lentement mais sûrement ! Ce n'est pas un monde qui a l'air très cool.

Mon bon ami/partenaire Mike Jackson a un test décisif pour évaluer si une action est positive ou non, cette question est "que se passerait-il si tout le monde faisait cela ? Appliquez cela au fait de jeter des ordures par la fenêtre de votre voiture ou de créer des œuvres d'art avec un cœur avide et les résultats sont incroyablement négatifs : des autoroutes follement sales et des monticules d'art inauthentique. C'est une question poignante.

C'est sans aucun doute une question avec laquelle chaque artiste doit se débattre en son for intérieur. Je pense qu'il est utile de tracer une ligne de démarcation entre les deux choses pour protéger ce qui est important. Ou du moins, être conscient de la limite. Dans l'ensemble, cela a plutôt bien fonctionné pour moi ; maintenir des normes de qualité globales élevées pour tout, mais tracer une ligne entre la musique qui est authentique et sans compromis sur le plan artistique, et ensuite créer des œuvres qui font les compromis nécessaires, au cas par cas, pour essayer de monétiser certaines œuvres afin de garder les lumières allumées et la nourriture sur la table. Inévitablement, nous pouvons trouver des moyens d'être artistiques même dans des projets où cela peut sembler impossible.

Il y a presque toujours de la place pour injecter du véritable art dans les projets les plus exigus. Je pense que nous avons une responsabilité en tant qu'artistes dans le monde commercial pour apporter le plus de nous-mêmes possible à ce que nous faisons, même si ce n'est qu'une petite quantité.

En écoutant Le héros et la douleurJe ne peux pas m'empêcher de ressentir un thème général d'"acceptation" sur différents fronts. Quelles sont vos émotions sur cet album ?

Ouais, mec. J'apprécie que tu aies remarqué ça. Ce n'était pas un thème délibéré de l'album, mais c'est un thème de ma vie, donc ça me semble tout à fait logique que ça se passe comme ça. Je dirais que c'est une combinaison d'acceptation de certaines choses et aussi d'obstination absolue quand il s'agit de se tenir derrière ce que je crois vraiment. C'est dans la tension précaire entre ces deux choses que vit cet album.

Je suis sorti de beaucoup de luttes et de tensions internes dans ma vie personnelle. La chanson titre est à ce sujet. Lorsque j'étais au fond du gouffre en novembre 2014, bien que je sache que Dieu était là, c'était à moi de choisir si j'allais être coincé ou si j'allais faire des choix pour m'en sortir.

J'ai été libéré de la grâce et de l'acceptation de moi-même et des autres, tout en défendant passionnément mes convictions et en gardant à l'esprit que la vie est bien trop courte et trop précieuse pour se défouler en faisant ou en créant des choses qui n'ont pas d'importance.

J'aime tous les types de musique, mais quand je suis poussé à écrire, c'est vraiment une expression personnelle... juste organiser et donner un sens à toutes les pensées et sentiments tourbillonnants. J'ai l'impression de faire de la musique qui est destinée à être écoutée en voiture, la nuit, en réfléchissant sur la vie. Je suppose que c'est mon public : les gens en voiture pendant qu'ils circulent sans but avec la stéréo à la main !

Chaque chanson de cet album est une chanson que je ne pouvais pas ne pas écrire. J'ai J'ai vécu des choses géniales dans ma carrière et c'était cool, mais j'ai réalisé que même si le succès est grand, la signification est meilleure. En fait, je pense que ma définition du succès est de plus en plus synonyme de signification. Cet album en est l'expression. C'est aussi cette perspective qui m'a poussé à exprimer mes idées, mes théories et mes concepts sur les arts sous la forme d'une approche éducative que j'ai développée et qui s'appelle "A Holistic Approach To The Arts" qui existera au sein d'une entité que j'ai créée avec mes partenaires et qui s'appelle Broken City Artists. Ce sera également un livre bientôt.

Ayant été signé en tant qu'artiste solo, comment compareriez-vous votre expérience de la sortie d'albums/EPs en utilisant un service comme TuneCore ?

Un mot me vient immédiatement à l'esprit : autonomisation. Avoir un accès aussi facile à la distribution mondiale à travers tant de plateformes massives et respectées, est incroyable, plus que je ne peux même pas vraiment l'imaginer. Si nous retournions dans une machine à remonter le temps et disions à des gars d'un groupe de rock des années 80 que cela était possible sans contrat de disque et sans des millions de dollars de soutien, leurs cheveux glam-rock souffleraient en arrière et leurs têtes exploseraient.

L'Internet est un endroit sauvage et fou et TuneCore aide vraiment à organiser le chaos et agit comme un conduit rapide vers tous les différents distributeurs et services de musique qui seraient autrement un exploit si énorme et presque impossible à traiter au cas par cas. Alors même que je réponds à cette question, je réalise de plus en plus à quel point c'est un privilège de pouvoir faire de la musique, puis de sauter sur ma page TuneCore et de la mettre à la disposition de toute la planète Terre ! C'est fou.

Parlez-nous un peu plus de vos efforts avec Broken City Artists. Qu'est-ce qui vous a incité à vous lancer dans cette aventure, dans votre carrière ou votre vie passée dans le secteur ?

Tant de choses. Ce chevauchement à long terme du fossé entre l'art et le commerce dont nous avons parlé était l'une des questions centrales qui m'a fait sentir qu'un nouveau type d'approche du développement des artistes était nécessaire. J'avais l'impression d'avoir vécu une expérience unique dans ma vie et ma carrière et je voulais creuser tout cela et faire le tri. J'avais commencé à partager mes philosophies et mes idées pédagogiques avec un ami professeur de cinéma à l'université, Jack Hafer. Il était vraiment intrigué et m'a encouragé à arrêter de jacasser et à écrire mes idées. Une fois que j'ai commencé, je ne pouvais plus m'arrêter ! Cela a été cathartique de voir tout cela se mettre en place. J'avais l'impression que c'était quelque chose que je devais faire, et ça a grandi à partir de là. J'ai commencé à partager mes écrits avec Mike et il était là avec moi. C'était vraiment une âme sœur. Ça a été génial.

Je crois que l'art est la forme d'expression et de communication la plus transcendante dont nous sommes capables en tant qu'êtres humains. Pourtant, tant d'art est détourné par les forces sournoises de la cupidité et de l'orgueil et la recherche de la célébrité plutôt que la recherche et l'expression de la vérité.

Notre meilleur travail en tant qu'artistes est créé en découvrant vraiment qui nous sommes et quels sont nos perspectives et nos talents uniques et en cultivant ces choses. C'est un processus très nuancé qui implique de se regarder et de regarder notre travail comme un ensemble complet. Notre psychologie, notre spiritualité, nos philosophies et notre physiologie. C'est ce que j'appelle les quatre piliers de notre expérience humaine. Ils interagissent et influent sur la façon dont nous vivons et dont nous créons des œuvres d'art.

Pour un exemple rapide de la profondeur de ce phénomène, imaginez si les problèmes psychologiques et personnels d'artistes comme Kurt Cobain ou Jimi Hendrix pouvaient être traités de manière à leur éviter d'être victimes de leurs démons personnels. Peut-être seraient-ils encore parmi nous. Ce ne sont là que deux exemples. Il y en a tant d'autres, qui n'ont peut-être pas abouti à la mort, mais l'homme, ce monde, ce business, va nous mâcher et nous recracher si nous ne faisons pas attention.

Sur une note moins dramatique, imaginez le temps qui pourrait être gagné si, grâce à des techniques holistiques nuancées, on pouvait comprendre leurs motivations profondes et gagner des mois, voire des années, à courir après une image artistique de soi qui n'est pas vraiment ce qu'elle est. Plus nous passons de temps à rechercher ce que nous aimerions être, moins nous avons de temps pour nous épanouir dans notre unicité. C'est plus facile à dire qu'à faire. Il s'agit de déballer les idées préconçues et d'aller au fond des choses.

D'un point de vue ouvertement pratique, je suis passionné par l'idée d'aider les artistes à aborder les aspects techniques de la création artistique/musicale d'une manière qui soit plus étroitement liée à une expression personnelle honnête. Quelle que soit cette expression. Supprimer les barrières entre le cœur, l'esprit, l'âme et le corps pour que l'expression soit plus directe, plus pure et plus conforme à l'intention. L'intention peut être n'importe quoi, et elle peut être découverte à tout moment avant, pendant ou après le processus artistique, mais l'intention est ce qui motive l'expression.

Cela peut sembler un peu abstrait, mais en pratique, il s'agit d'une approche très pragmatique et personnalisée du mentorat et de l'éducation artistique, conçue pour les artistes qui cherchent à trouver leur voix unique. J'ai développé des techniques très pratiques pour cultiver ces idées.

Broken City Artists est le parapluie sous lequel tout ce que je fais représente ce genre d'approche holistique. C'est le siège de ma société de production avec mon partenaire Gannin Arnold. Nous avons également adopté un ensemble de percussions compétitif indépendant, anciennement connu sous le nom d'OCI, qui s'appelle maintenant Broken City Percussion, et qui est le fruit d'un partenariat avec le célèbre luminaire des arts de la marche, Mike Jackson. En 2016, nous allons poursuivre le développement des artistes et enseigner par le biais de leçons privées, de séminaires, de conférences et d'autres événements. Tout cela s'appuie sur l'approche holistique, un livre et un programme d'études qui sont actuellement en cours de développement depuis 18 mois.

Nous sommes super-excités. Je sais qu'il y a des milliers d'artistes qui partagent le même esprit et le même cœur et qui ont le même désir de creuser en profondeur et de créer des œuvres authentiques, et de naviguer avec créativité dans une carrière au cours du processus. Ces deux choses ne sont pas mutuellement exclusives ! J'ai hâte d'entrer en contact avec ces artistes pour établir des liens, enseigner, partager et apprendre.

Depuis que vous avez co-fondé Broken City, que vous ont appris les artistes avec lesquels vous avez travaillé ?

Tant de choses. Des petites nuances de technique aux choses plus générales comme la façon dont leur personnalité se manifeste dans leur travail et leur processus. Et puis, la patience est un élément important. C'est toujours fascinant de voir qu'il y a tant de types d'artistes et des façons apparemment infinies de faire du bon travail. J'essaie d'être en mode éponge. J'analyse donc toujours les différentes façons dont les gens pensent, émettent des émotions et créent.

Si je suis présent émotionnellement et mentalement, il y a tant à apprendre en étant entouré et impliqué dans le processus de quelqu'un. Si je suis dans une position où je guide ou je produis, il s'agit de créer une ambiance confortable pour la création afin que nous puissions atteindre ce pour quoi nous sommes là. Aider à lever les obstacles qui entravent l'expression de leur vérité. Cela peut sembler un peu noble, mais en pratique, il s'agit simplement d'évaluer ce qui rend un artiste à l'aise.

Peut-être est-ce aussi simple que de tamiser les lumières et d'allumer une bougie pour l'enregistrement des voix. Certains artistes ont besoin d'un discours direct, d'autres d'une ambiance plus nuancée et plus sensible, ou veulent simplement que vous soyez invisible, d'autres encore ont simplement besoin que vous restiez en retrait et que vous les laissiez explorer, puis que vous leur donniez un petit coup de pouce ici et là. C'est une expérience d'apprentissage en soi. C'est la partie intuitive de tout cela. Il s'agit de découvrir ce qui est efficace et ce qui ne l'est pas, et de savoir comment y être sensible. Je pense que tout le monde enseigne tout le temps de la même manière, il s'agit de savoir si nous avons une posture d'apprentissage.

Je ne pense pas qu'il y ait une façon unique de faire tout cela. Bien que les titres puissent être similaires, des choses comme les peurs, les doutes, les insécurités, l'excès de confiance, la sous-confiance, etc. sont toujours très spécifiques à l'artiste. Il s'agit de découvrir pourquoi ces émotions sont là et de déchiffrer si cela entrave le processus ou si c'est en fait ce qui doit l'éclairer ! Ces obstacles peuvent être cachés dans n'importe quel aspect de notre personnalité, comme je l'ai déjà mentionné. Nous avons tous des choses à améliorer et à surmonter et chaque artiste a quelque chose qui vaut la peine d'être appris. Je le crois.

Quel est votre but ultime pour que Broken City Artists aille de l'avant ?

Le but ultime est à la fois massif et incroyablement intime. Nous voulons révolutionner l'éducation artistique, un artiste à la fois. Il s'agit de donner la priorité au soutien et au développement de l'identité unique de l'artiste par-dessus tout, et de les faire passer par l'approche holistique pour leur donner les conseils et les outils dont ils auront besoin pour y parvenir et pour naviguer dans une carrière d'artiste.

L'objectif immédiat est de continuer à travailler directement avec les artistes de toutes sortes de façons. Des rencontres individuelles ou en groupe, comme des cours et des séminaires, sont organisées pour les aider à donner libre cours à leurs meilleures œuvres grâce aux approches que j'ai développées.

Je sais de première main qu'en tant qu'artistes, nous pouvons nous retrouver coincés ou un peu perdus dans des situations ou en nous-mêmes de manière très délicate, ce qui peut retarder, voire empêcher complètement, la création de nos meilleures œuvres et la réalisation de notre potentiel. C'est une marche sur la corde raide, c'est pourquoi il est si difficile de réussir. Il y a tant d'artistes étonnants dont personne n'a jamais entendu parler.

Je sais qu'au début de ma vie, si quelqu'un m'avait posé les bonnes questions, avait vraiment regardé de tous les côtés et m'avait poussé au bon endroit, au bon moment et de la bonne manière - sans jugement et avec sincérité, sensibilité et intelligence - j'aurais pu éviter de me taper la tête contre le mur dans certains domaines pendant des années. J'aurais été propulsé plus tôt vers un meilleur travail et j'aurais eu un processus plus satisfaisant. J'aurais aimé avoir cette machine à remonter le temps ! C'est une grande partie de ce qui me pousse à aller de l'avant avec Broken City Artists. J'ai le cœur aux artistes et à l'art.

Je vois The Holistic Approach et Broken City Artists comme étant à la fois le modèle de l'artiste à tendance plus scolaire, ainsi que, paradoxalement, une approche pour le renégat, l'étranger, le solitaire, l'innovateur introverti, ou tout artiste non enclin à apprendre de la manière habituelle... ou même répugné par cette notion tout court ! Être artiste, c'est être soi-même, c'est ne pas sauter sur le tapis roulant et laisser l'information vous envahir.

Bien que cela dépende de votre orientation, une grande partie de l'éducation artistique n'est pas attrayante pour certains des artistes les plus créatifs et les plus intensément motivés. L'école de musique typique peut être trop axée sur la technique et la théorie avec quelques études conceptuelles ou historiques et des éléments de performance expérientielle. Cela peut sembler complet, mais se concentrer sur ces choses hors contexte ou sans se concentrer de manière équilibrée sur le puits profond des facteurs psychologiques, spirituels et philosophiques qui existent dans chaque personne, laisse tant de pierres non retournées.

Je ne suis même pas si fou du mot éducation. C'est un mot rebutant pour beaucoup d'artistes ! Il s'agit plutôt d'un type unique d'orientation et de mentorat qui est axé sur l'individu. Le paradigme de l'éducation est souvent le meilleur pour créer des enseignants plutôt que pour magnifier et produire de meilleurs artistes. Cela signifie que quelque chose ne va pas. La technique n'est importante que pour une seule chose : permettre l'expression de l'intention d'un artiste. La technique sans intention est un exercice vide de sens, ce n'est pas de l'art. Je l'ai vu se produire, où la technique peut devenir le centre d'intérêt à tel point que l'expression et l'intention ne font plus du tout partie du processus. Si nous séparons la technique de son but, nous mettons en cage la voix d'un artiste.

Quand on regarde le travail des artistes qui ont vraiment résisté à l'épreuve du temps et créé des œuvres profondes, il devient évident que leur technique n'était là qu'au service d'un objectif plus vaste et plus significatif d'expression de leur perspective unique et de leur humanité. Tout le monde n'a pas besoin de connaître le cercle des quintes, de savoir comment lire et écrire la musique ou comment jouer toutes leurs gammes. Certains le font à coup sûr, tandis que d'autres ont besoin de connaître quelques accords et d'avoir la permission de se dévoiler. L'écriture d'une chanson simple et la réalisation d'un morceau vraiment expressif impliquent un énorme monde de nuances. Tout comme il y a à écrire une symphonie et à la diriger.

Je vois Broken City Artists comme un nouveau paradigme dans l'éducation artistique qui est un refuge et un terrain fertile pour un mouvement d'artistes qui se concentrent sur leur caractère unique, qui sont appréciés pour cela et qui l'expriment avec audace tout en brisant les obstacles, en atténuant leur lumière ou en brouillant leur voix.

Les artistes sont des créatures complexes qui méritent un type de soutien, d'encouragement et de mentorat personnalisé pour libérer un sentiment de liberté afin d'exprimer ce qu'ils sont censés exprimer. En raison de l'internet et de la connectivité mondiale, nous vivons à une époque incroyablement compliquée où les pressions exercées sur les artistes pour qu'ils se conforment sont plus fortes que jamais. Je ressens un profond désir de combattre cette pression en approchant l'artiste et son travail avec beaucoup de respect et en mettant cette nouvelle approche à leur disposition pour qu'ils puissent la prendre et s'en servir.

Je suis en mission ! Je veux passer le reste de ma vie à créer mon propre travail et à aider à créer un paradigme où moi-même, mon équipe et tous ceux qui veulent s'impliquer, pouvons aider à soutenir et à guider les artistes pour qu'ils donnent le meilleur d'eux-mêmes. Le travail d'artistes engagés, authentiques et uniques peut soulager les parties les plus difficiles de la vie et faire de ce monde un endroit meilleur.