Interview : Un fantôme contre un autre fantôme : Christopher Bono

Fantôme contre fantôme est le fruit de l'imagination de Christopher Bono, compositeur, auteur et producteur basé à New York. En 2008, il a commencé à présenter ses compositions ambiantes et électroniques à travers la ville avec des éléments multimédias.

Récemment, Bono a publié le PE de Ghost Against Ghost DésarmerIl a commencé à recevoir des critiques élogieuses de la part de magazines comme Stereogum et Ghettoblaster Magazine cette année, et a eu l'amabilité de répondre à quelques questions sur sa musique mystifiante et ses processus de création :

Ce projet est né d'un album concept que vous aviez imaginé dans un rêve en 2008. Expliquez comment vous l'avez abordé et ce qu'il vous a fallu pour rester sur la bonne voie.

Christopher Bono: La route a été longue, très longue, avec plusieurs détours inattendus. J'ai commencé Ghost Against Ghost en 2007-2008, et j'ai écrit un tas de documents pour un album conceptuel sociopolitique surréaliste, un concept qui m'est venu en rêve.

Nous avons fait quelques spectacles à New York, que les gens ont appréciés, je crois, mais j'ai pris un congé sabbatique pour essayer de réaliser un néo-prog répondant au style épique-classique que j'avais imaginé, mais que je n'avais aucune idée de la façon de l'exécuter techniquement. Cela m'a conduit à des années d'étude de différents styles et techniques de musique et de production, à trois albums classiques sous mon propre nom, puis finalement à la décision, plusieurs années plus tard, de revenir à Ghost Against Ghost.

Aujourd'hui, l'écriture et la production ont été effectuées sur trois albums conceptuels de longue durée de Ghost Against Ghost, tous avec un thème et un caractère différents. Le premier à être sorti(still love LP, juin 2016) est, curieusement, le plus récent à avoir été écrit. En gros, je travaille à rebours à partir de là, vers les origines de l'idée.

Quelle est la partie la plus difficile de la production et de l'arrangement d'un album concept ?

Maintenir et développer un thème qui se retrouve dans l'ensemble de l'album, en créant un intérêt dynamique au niveau micro et macro. Il est relativement facile d'écrire une musique cohérente ; il est très difficile d'écrire une musique cohérente qui se rapporte à elle-même à la fois au moment présent et dans une perspective globale. En particulier à l'époque des clips sonores, où l'on a l'impression que l'album "concept" est perdu pour le grand public, il est difficile de se concentrer sur un seul thème.

Bien sûr, c'est beaucoup plus facile en tant qu'écrivain lorsque ce thème vous tient à cœur. Je ne prétends pas y réussir, j'utilise simplement la stratégie globale pour essayer d'atteindre le point final.

Comment avez-vous établi des liens avec vos collègues artistes Anthony Molina et Thomas Pridgen, et comment ont-ils contribué à votre vision dès le début ?

Anthony et moi sommes amis depuis un certain temps et avons travaillé ensemble sur différents projets musicaux, dont l'ensemble d'improvisation que j'ai fondé, NOUS. Lorsque j'ai commencé à écrire le matériel pour l'album Still Love, j'ai contacté Anthony pour voir s'il était intéressé à faire la pré-production et le suivi initial avec moi. Nous avons travaillé ensemble sur les chansons pendant quelques mois, nous avons vraiment réussi à les rendre solides, puis nous avons fait un premier suivi pour la structure squelettique de l'album.

Sur chacun des albums de Ghost Against Ghost, j'aborde l'instrumentation avec un regard légèrement différent. Sur Still Love, j'ai voulu expérimenter avec une batterie live et des couches denses de synthés analogiques, avec des moments de guitares lourdes et ambiantes. Je n'avais pas travaillé avec une batterie live depuis un certain temps, c'était donc intéressant de faire des expériences. J'avais parlé à Thomas dans le passé de la possibilité de travailler ensemble sur un projet et il était intéressé, mais j'avais imaginé qu'il s'agissait plus d'une musique expérimentale pour un autre projet ou une performance spéciale en direct. Thomas était censé être en tournée à ce moment-là, et littéralement le jour où j'ai écrit des e-mails à d'autres batteurs pour essayer de trouver le bon joueur pour le disque, Thomas m'a envoyé un SMS disant qu'il était disponible. Nous l'avons donc emmené par avion au studio de Our Silent Canvas, dans le nord de l'État de New York, et nous avons enregistré la batterie toute la journée pendant trois jours. Les résultats ont été incroyables ; le gars est incroyablement talentueux.

Une fois les tambours traqués et le squelette initial posé, j'ai pris en charge la production pour débusquer l'orchestration et l'arrangement par mes propres moyens. Cela m'a pris... oh environ 15 mois !

Parlez-nous de ce que c'est que de construire un décor en direct quand on a affaire à de la musique d'ambiance et à du multimédia.

Chaque projet est si différent ; qu'il s'agisse de faire jouer un grand orchestre de chambre avec des vidéos en direct et des échantillons de morceaux, ou d'avoir un groupe de musiciens jouant verticalement dans une tour en spirale avec des danseurs et de l'électronique, chaque scénario présente un ensemble distinct de défis.

Pour la prochaine tournée de Ghost Against Ghost, nous utiliserons 3-4 appareils Ableton Live, ainsi que des instruments de scène. L'ensemble est assez compliqué, car il est important pour nous de laisser un haut niveau d'improvisation dans le décor. En plus de plusieurs instances d'Ableton et de contrôleurs, mixeurs et processeurs sur scène, nous ferons tourner les choses à volonté grâce à plusieurs amplificateurs sur scène, et nous jouerons des guitares, des synthés, de la batterie et d'autres choses en direct.

Nous nous produirons également en direct avec des visuels étonnants. Nous travaillons actuellement sur deux vidéoclips épiques avec le réalisateur Craig Murray, le premier sortira ce printemps. Chacune des vidéos est d'une durée de 16 minutes, ce ne sont donc pas des vidéos musicales standard, mais plutôt des courts métrages. Craig a créé des heures d'images pour ces films que nous prévoyons d'utiliser en direct avec un vidéaste qui pourra improviser avec eux en marge des performances. Nous travaillons encore sur les détails techniques tout au long de ce printemps. Les parties de musique d'ambiance du décor sont plus faciles à exécuter car elles ne dépendent pas autant du temps que les moments rythmiques très précis, qui sont nombreux dans ce projet. Nous essayons toujours de déterminer comment nous pouvons faire ce que nous rêvons de faire avec un petit budget indépendant, mais nous allons trouver une solution.
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Comment les gens ont-ils réagi à vos spectacles au début et comment cela a-t-il évolué ?

Les premières représentations de Ghost Against Ghost ont, je pense, fait souffler un vent de folie à certaines personnes ; elles étaient fortes et bruyantes, avec beaucoup de lumières et de vidéos à un niveau très lo-fi. Ces prochains spectacles devraient être un peu plus raffinés, mais, espérons-le, toujours imprévisibles et chaotiques par moments. Ce projet est à son meilleur lorsqu'il oscille entre la beauté délicate et le bruit apocalyptique dans un spectre de 5 à 10 minutes.

Quel genre de conseils pouvez-vous donner aux artistes indépendants qui interprètent de la musique qu'ils craignent d'avoir du mal à traduire en direct ?

Honnêtement, je me bats contre mes propres démons douteux tous les jours. La seule chose que je me dis est de faire confiance au processus, et bien que la version idéale de vos rêves puisse ne pas se manifester, une certaine version finira par le faire. Il y a de fortes chances que cette version soit plutôt cool et qu'elle ait un mérite unique que vous n'auriez pas pu prévoir. J'ai du mal à rester simple ; il semble que mon cerveau aime construire des systèmes de plus en plus complexes, donc je travaille dur en vieillissant pour écrire et organiser d'un point de vue plus simplifié.

Si quelqu'un me le demandait, je recommanderais de ne pas laisser votre propre voix, ou celle de quelqu'un d'autre, vous dire "c'est impossible", mais d'utiliser en même temps le discernement, l'intelligence et le détachement pour permettre à une version évoluée et pratique de se déployer.

Parlez-nous de l'impact que la musique classique a eu sur votre parcours musical.

Un très grand à partir de la mi-vingtaine. C'est une longue histoire, mais c'est essentiellement le premier disque de Ghost Against Ghost (à nouveau le troisième de la série) qui m'a poussé à étudier la musique classique. J'imaginais ces paysages sonores et ces arrangements épiques, mais je ne savais pas comment les réaliser techniquement, bien que j'aie entendu ce que je cherchais dans la musique de Stravinsky, Debussy, Wagner, John Adams et de nombreuses autres personnes. Cela m'a conduit à une période de cinq ans consacrée à l'étude de la musique classique.

Plus je m'y mettais, plus je m'éloignais de la musique populaire. À un moment donné, j'ai même envisagé de retourner à l'école pour obtenir une maîtrise et un doctorat en composition. L'étude et le monde de la musique classique sont tellement vastes et riches de détails intéressants et de subtilités ; c'est vraiment extraordinaire. Mais il y a eu un moment où je me suis réveillé de cette belle transe intellectuelle dans laquelle j'étais et où je me suis souvenu de ma vision initiale, alors j'ai commencé à construire un pont vers le monde post-rock dont je suis issu.

Unarm a reçu des éloges critiques de la part de certaines sources super crédibles. Qu'essayez-vous d'exprimer émotionnellement sur ce communiqué ?

C'est une chanson écrite pour une âme endommagée et perdue, une vieille âme qui a longtemps été sur un chemin destructeur et dangereux. Les paroles sont écrites à la seconde personne, d'une personne qui aime énormément ce personnage principal. Les paroles sont comme un murmure au cœur de l'âme perdue, un dialogue intérieur, télépathique, lui disant de chercher ses réponses à l'intérieur et de ne pas continuer à chercher une satisfaction extérieure afin de remplir les puits profonds de chagrin qu'il a à l'intérieur.

Quelle est l'inspiration qui a présidé à l'enregistrement de Unarm? Pratiquez-vous activement le Tonglen ?

Le LP Still Love, (dont est issu le PE Unarm - oui, je sais, déroutant), traite d'une situation personnelle profondément difficile. Comme la plupart des artistes, j'ai travaillé à transformer la confusion et la douleur de cette situation en une œuvre d'art. Unarm marque le moment où les paroles de ce récit parlent directement au "méchant" de cette tragique histoire d'amour. Jusqu'à ce moment, je chante et j'écris des paroles qui ne sont pas de mon point de vue, mais de celui de la victime.

Je m'intéresse au bouddhisme depuis de nombreuses années maintenant et je pratique la méditation assez régulièrement depuis une dizaine d'années. J'ai lu sur le Tonglen et j'ai écouté des enseignements à ce sujet à plusieurs reprises. Toute sa visualisation m'a toujours fascinée, et je l'ai essayé dans ma propre vie à plusieurs reprises. Je crois que ces pratiques ont un pouvoir psychologique incroyable pour reconditionner les schémas neurologiques de l'esprit afin d'arrêter de percevoir le monde d'une perspective aussi égoïste, ce qui est si habituel pour beaucoup d'entre nous.

Depuis combien de temps produisez-vous et faites-vous de l'ingénierie ? Quels sont, selon vous, les avantages et les inconvénients d'avoir la main sur toutes les facettes d'une libération dans ce sens ?

J'ai commencé à faire des expériences d'enregistrement et d'ingénierie quand je me suis lancé dans la musique vers 21 ans. J'ai acheté un enregistreur multipiste BOSS au début de la vingtaine, sur lequel j'ai "produit" mon premier album (qui n'est jamais sorti). J'ai ensuite écrit un disque d'auteur-compositeur-interprète alors que je vivais à Boston, que j'ai enregistré avec le producteur, Zoux.

Pendant cette période de 8 mois, j'ai beaucoup appris sur le processus et l'approche du studio, et après l'album, j'ai commencé à agrandir mon propre studio et à étudier les techniques d'enregistrement, que j'ai continué à faire évoluer au cours des 11 dernières années. Essayer de produire mon propre matériel à la fin de la vingtaine a été très stimulant, surtout si l'on considère les rôles subjectifs et objectifs de l'artiste et du producteur. J'ai cependant constaté qu'avec le temps, je suis devenu meilleur dans la gestion du processus ; cela revient principalement à avoir confiance en soi et à ne pas juger les choses trop tôt.

La plus grande difficulté quand on est responsable de tant de choses est le temps qu'il faut pour terminer un projet. J'aimerais avoir les budgets nécessaires pour pouvoir engager une équipe de production complète, mais ce n'est pas dans les cartes pour le moment. Au lieu de mettre deux mois pour terminer un disque, il faut deux ans. Mais ce n'est pas grave, au final, c'est bien de savoir que vous avez fait de votre mieux et que vous avez pu faire votre propre travail comme vous le souhaitiez.