Note de la rédaction : Ce blog a été écrit par Liam Farrell, responsable de la synchronisation au sein de l'équipe d' administration des publications de TuneCore, et il a été présenté à l'origine sur Music Connection. ]
En mai dernier, j'ai participé à une table ronde sur l'état actuel de la synchronisation. C'était un vrai who's-who des gardiens du monde de la synchronisation ; un cadre de PRO, quelques grands noms de l'édition et le directeur musical d'une des plus grandes agences créatives du monde.
Le public était composé de superviseurs musicaux, de représentants du catalogue et d'une tonne de musiciens affamés qui cherchaient des moyens nouveaux et créatifs de monétiser leur musique. Au cours de la séance de questions-réponses, l'un des musiciens les plus avant-gardistes du public a posé une question très directe au panel :
"Quel genre de musique devrais-je écrire pour obtenir beaucoup de synchro ?"
Pendant quelques secondes, le panel a semblé être à court de mots. C'est alors que le directeur musical a déclaré : "Un rock inspirant et hymnique qui construit."
J'ai regardé tous les spectateurs noter ces mots comme si un ange leur avait rendu visite et leur avait donné le mot de passe du ciel. Bien sûr, le directeur musical a poursuivi en ajoutant beaucoup plus de substance et de nuances à sa réponse, notamment en suggérant que lorsqu'un auteur-compositeur se met à écrire une mélodie synchronisable, c'est souvent évident et cela enlève toute authenticité à l'idée originale de la chanson. Cependant, ces cinq premiers mots ont continué à résonner dans la salle.
En réfléchissant un peu plus, j'ai commencé à revenir sur ma propre expérience de superviseur musical. J'ai fait du pitching et de la musique pour une grande variété de supports, des campagnes de marques nationales de plusieurs millions de dollars aux vidéos Kickstarter pour les jeunes pousses de caramels d'eau salée. Je me suis rendu compte que "un rock inspirant et anthemique qui construit" était une excellente réponse si vous essayez de décrocher un de ces gros placements publicitaires de lancement de carrière.
Mais il y a tellement plus de possibilités de synchronisation où la concurrence est beaucoup plus faible et les opportunités beaucoup plus fréquentes. Vous trouverez ci-dessous quelques réflexions et conseils à garder à l'esprit lors de l'élaboration de votre prochain chef-d'œuvre. Encore une fois, je ne suggère "PAS" d'écrire une chanson qui touche tous les points à suivre. Je pense que la plupart des superviseurs musicaux seront d'accord avec moi. Ce ne sont là que quelques éléments à appliquer à votre (vos) chanson(s) pour maximiser vos chances d'obtenir des synchronisations de toutes formes et de toutes tailles.
Conseil n° 1 : Versions instrumentales
Je n'insisterai jamais assez sur ce point : ayez des versions instrumentales de toutes vos chansons prêtes et disponibles à tout moment. Pour 99 % des placements de chansons populaires dans les publicités, la version instrumentale est nécessaire pour que le montage fonctionne. Cela est dû en grande partie au fait que la voix-off a besoin d'espace pour respirer et parler du produit au public.
Disons que vous avez une chanson intitulée "I Got A Feelin' I Love You" et qu'une marque de yaourt veut l'utiliser dans une campagne pour présenter son nouveau parfum : Banana Cheesecake Delight. Cible démographique : Mamans en déplacement.
Dans les 20 premières secondes du spot, une voix off parle de la valeur nutritionnelle du yaourt et de sa facilité de consommation. La caméra se concentre sur la personne qui savoure la première bouchée. Le titre de votre chanson "I Got a Feelin' I Love You" est joué et la carte titre apparaît. C'est ce qu'on appelle dans le métier une "montée vocale".
Maintenant, si l'instrumental n'était pas disponible pour les éditeurs, alors toutes les paroles précédant "I Got a Feelin' I Love You" entreraient en concurrence avec le VO et le spot sonnerait encombrant et déroutant.
Conseil n°2 : Bouton vers le haut - ne jamais disparaître
J'étais dans la pièce quand c'est arrivé. Tous les créatifs écoutent des options musicales pour leur spot. Il y a une chanson à laquelle ils réagissent tous positivement. Les orteils qui tapent et les têtes qui bougent. Tout le monde aime cette chanson. Le dernier refrain arrive et c'est l'épopée, mais ensuite, le pire arrive. La chanson se termine sur un fondu enchaîné ! BLASPHEMIE ! Tout le monde est très déçu et quelques personnes quittent leur travail sur-le-champ. Pourquoi ? Pourquoi un fondu enchaîné d'une chanson ? Il est très rare qu'une émission de télévision ou un film s'éteigne d'une scène à l'autre et cela n'arrive JAMAIS dans les publicités.
Si, pour une raison quelconque, le spot appelle un fondu enchaîné, cela peut facilement être fait dans la suite de montage. Les éditeurs ne peuvent toutefois pas annuler un fondu enchaîné et créer une fin qui n'existe pas. Il est très important de mettre un bouton de fin intentionnel (ou "sting") sur chaque chanson que vous souhaitez synchroniser. Faites-moi confiance.
Conseil n° 3 : des versions propres
Nous aimons tous la musique énergique de temps en temps, amirite ? Les paroles suggestives et les bombes F gratuites sont une source d'amusement considérable lors de la fête de la piscine réservée aux adultes.
Mais les marques ? Pas du tout. Les marques aiment jouer la sécurité pour toucher le plus grand nombre possible de consommateurs potentiels. Bien sûr, vous pouvez obtenir des jurons dans un film classé PG-13 ou plus, ou même dans une comédie de fin de soirée sur le câble. Mais si vous voulez vraiment maximiser vos chances de synchronisation, vous devriez avoir une version propre facilement disponible. Cela ne veut pas dire qu'il faut ajouter un son BLEEP à chaque mauvais mot. Cela devient vite ennuyeux. Cela veut dire soit le remplacer, soit laisser tomber le mot dans le mélange.
Conseil n°4 : Whoa Oh Oh's
Vous avez peut-être remarqué (si vous ne l'avez pas fait, vous le ferez maintenant) qu'une tonne de spots commerciaux utilisent des chansons qui comportent une sorte de "Oooo" "Whoa" ou "Ahh" au lieu de véritables paroles. Cela est logique car cela permet au spot d'éviter tout texte qui pourrait concurrencer le message de la marque tout en conservant l'élément vocal qui "légitime" la chanson. Cela peut également ajouter une couche d'énergie supplémentaire.
Conseil n°5 : des paroles pas trop précises
C'est une question délicate. Je ne veux pas que ça sonne comme un disque rayé, mais il ne faut pas écrire une chanson spécialement pour la synchronisation. Donnez-nous la vérité. Donnez-nous l'authenticité. Mais ne nous donnez pas le nom complet, la description et l'histoire de votre amour perdu depuis longtemps. Gardez en 100.
C'est formidable d'écrire des paroles qui sont personnelles et qui nous tiennent à cœur. Cependant, si vos paroles sont trop précises, cela peut nuire à vos chances de synchronisation.
Disons qu'une marque de soupe cherche la chanson parfaite pour accompagner sa nouvelle saveur : New England HAM Chowder. Ils veulent trouver une chanson qui reflète la nature chaleureuse et réconfortante de la soupe. Il se trouve que vous avez une chanson dans votre catalogue "Warmth". Les paroles disent quelque chose comme : "L'hiver dernier, dans le Maine, nous nous sommes assis près du feu, main dans la main, les yeux les plus bleus, secouant mon cœur, je t'aime Margaret, tu me réchauffes..." Mon frère, ça ne marchera pas pour la soupe.
Pendant ce temps, Johnny Syncsalot soumet sa chanson intitulée "Comfort". Il obtient la place parce que ses paroles étaient émotives, mais assez vagues pour qu'on les croie parler de soupe : "Oooo, j'attendais ça, et je n'arrive pas à me le sortir de la tête. Je veux être chez moi, et maintenant ton confort est le mien".
Il peut s'agir de soupe, d'un chien, de draps de lit, d'une douche, etc. Des paroles comme celle-ci peuvent s'appliquer à un certain nombre de choses différentes parce qu'elles sont très vagues sur le sujet.
Juste une chose à laquelle il faudra penser la prochaine fois que vous mettrez le stylo sur le papier.
Conseil n°6 : Dynamique - ne jamais boucler
Une piste répétitive devient très vite ennuyeuse. Avoir une chanson qui est dynamique et qui comporte beaucoup de pics et de vallées distinguera votre musique des autres.
Les personnes qui mettent la musique en image recherchent souvent ce qu'elles appellent des "points de montage". Ce sont des moments dans la chanson où l'humeur, l'intensité ou l'énergie prennent un tournant.
Disons que vous avez une scène dans un film où une jeune athlète lutte pour finir sa course. Ses jambes sont fatiguées et elle tombe derrière les autres coureurs. La chanson en fond de scène est pulsée, et tendue, correspondant au rythme et à l'humeur de la scène. Puis, alors qu'elle est sur le point d'abandonner et de démissionner, elle voit son entraîneur dans les tribunes. L'entraîneur lui lance un regard du genre "Allez, tu peux le faire. "À ce moment-là, elle trouve un second souffle et se pousse pour accélérer pendant un dernier tour. La musique fait pivoter l'intensité et elle est maintenant triomphante et optimiste, mais toujours la même chanson. Elle franchit la ligne d'arrivée et obtient sa médaille d'or.
Si votre chanson est simplement une boucle d'un rythme ou de quelques accords, il se peut qu'il y ait encore quelques synchronisations pour vous. Mais elles sont limitées aux applications téléphoniques et aux mises à jour des chaînes météo. Il n'y a rien de mal à cela. Mais mettez un peu de piment dans votre jeu si vous voulez avoir une chance de jouer dans la cour des grands.
Conseil n°7 - La construction
La plupart des publicités ont une durée de 30 ou 60 secondes. Donc si vous pouvez éviter à un éditeur de découper votre chanson pour qu'elle corresponde à ces longueurs, vous aurez un sérieux avantage. Il est donc judicieux de faire construire votre chanson de manière régulière sur 30 ou 60 secondes. Bien sûr, la plupart des vraies chansons (pas les jingles) seront beaucoup plus longues que 60 secondes. Donc, une fois que la chanson est mixée et prête à être masterisée, il suffit de créer une version cut-down :30 et :60 (peut-être même un :15 si vous vous sentez mal à l'aise !). Il est toujours bon de les avoir dans sa poche arrière, prêts à être synchronisés.
N'oubliez pas que vous voudrez laisser à l'auditeur un peu de temps pour se réjouir du crescendo que vous venez de réaliser. Ne le faites donc pas culminer à :30 ou :60. Il faut plutôt atteindre le zénith musical à :27 (pour un :30) ou à :54 (pour un :60). Si vous atteignez le sommet à :30, c'est comme si vous rouliez sur des montagnes russes jusqu'au sommet de la colline, puis que vous en descendiez avant la récompense. Nahmsayin ?
Je recommande d'appliquer celui-ci aux dernières étapes du processus d'enregistrement par le biais du montage. Il est difficile de faire tenir une bonne idée de chanson dans un montage de 30 secondes, alors allez-y et écrivez/enregistrez la chanson en entier d'abord. Ensuite, prenez les morceaux les plus juteux et coupez-les après coup.
Conseil n° 8 : Sauvegarder les sessions
Parfois, les créatifs seront vraiment à fond dans une chanson, mais ils ne sentiront pas tout à fait le solo de saxophone sensuel parce qu'il est en concurrence avec la VO. Souvent, ils demanderont à l'artiste s'il existe une version sans saxophone. Le musicien avisé fera sauvegarder la session sur un disque dur et sera en mesure de livrer une version sans saxophone à tout moment. J'ai vu des chansons recevoir beaucoup d'amour dans la suite de montage, pour être ensuite ignorées parce que l'artiste ne pouvait pas livrer un mix différent. Ne laissez pas cela vous arriver. Sauvegardez vos sessions !
Conseil n° 9 : moins, c'est plus
Le ferroutage du conseil n°8. La musique minimale a une réelle valeur. C'est particulièrement vrai pour la musique de fond des émissions de télévision ou des documentaires. Pensez un instant à toute la musique de scènes comme : le bout du pied dans un couloir sombre, un reportage sur les conséquences d'une catastrophe naturelle, un acteur échoué qui raconte une période sombre de sa vie, ou un regard éducatif sur le processus de photosynthèse.
La musique dans tous ces types de moments doit être subtile et ne pas être exagérée. Les paysages sonores éthérés, les morceaux pour piano solo ou même les simples bourdons d'ambiance ont une grande valeur. Parfois, il est préférable de rester simple et subtil. Vous serez peut-être surpris de constater à quel point la demande est forte pour ce genre de choses.
Conseil n°10 : Soyez fidèle à vous-même
Celui-ci est TRÈS important. Si le "rock inspirant et anthemique qui construit" est peut-être le genre de musique le plus recherché pour la synchronisation, il y aura aussi beaucoup de concurrence. Si ce n'est pas votre truc, ne vous en faites pas ! Nous recevons tout le temps des demandes pour de la musique très spécifique, non mainstream et authentique. Vous êtes peut-être un quatuor de barbiers ole timey, ou peut-être un groupe de mariachis. Ne vous en privez pas ! Il y a des opportunités pour vous.
Un bon exemple est le groupe Dropkick Murphys. Un son bien particulier, n'est-ce pas ? Le Punk irlandais-américain. Bien qu'ils n'aient pas l'habitude de jouer la chanson thème dans Real Housewives of Ft Lauderdale, ils sont très appréciés dans les émissions, les films et les marques à thème irlandais. Il n'y a pas un seul film sur la mafia de Boston dont ils n'ont pas la bande originale.
Vous avez les mêmes chances de réussir sur ce type de voie. Il suffit de trouver ce pour quoi vous êtes doué et de continuer à pousser.
LIAM FARRELL est directeur de la synchronisation au sein de l'équipe d'administration des publications de TuneCore. Après avoir obtenu son diplôme de l'université de Syracuse en 2008, M. Farrell s'est installé à New York pour acquérir plus de huit ans d'expérience dans l'industrie de la musique, allant de la gestion d'artistes à la supervision musicale. Farrell est monté à bord du navire Brooklyn de TuneCore en mai 2016, apportant avec lui un talent et un enthousiasme pour la synchronisation musicale.
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