Quel que soit le genre de musique que vous aimez faire ou écouter, il est presque impossible de ne pas remarquer l'essor sans précédent de la musique de danse électronique dans la culture populaire au cours de la dernière décennie. Dérivée des genres électroniques et house, la musique électronique de danse est devenue un pilier sur les campus universitaires, dans les grands festivals de musique et dans les clubs et lieux de rencontre à travers l'Amérique. En fait, pour beaucoup d'entre nous, la popularité fulgurante de ce sous-genre spécifique semble être venue de nulle part. Bien sûr, tout artiste indépendant qui consacre sa vie à la musique peut être certain qu'il y avait beaucoup plus derrière.
Entrez dans la peau de Jake Schneider, partenaire et directeur du développement des agences chez Madison House Inc. une société de réservation et de gestion basée à Boulder, CO. Jake est l'agent de réservation de certains des groupes les plus célèbres et les plus avant-gardistes de la musique électronique, dont BASSNECTAR, Keys N Krates, Paper Diamond, Lotus et bien d'autres. À 33 ans à peine, il a plus de dix ans d'expérience dans le secteur, qui comprend également la coordination et la réservation d'événements, ainsi que le DJing.
Compte tenu de sa perspective unique sur l'essor de ce genre, et en gardant à l'esprit la quantité de conseils qu'il a à offrir aux producteurs et aux artistes de TuneCore, nous avons interviewé Jake pour obtenir sa version des faits du milieu de l'Amérique :
Vous avez commencé à réserver des artistes électroniques à un moment intéressant de l'histoire du genre. Quel genre d'opportunités voyiez-vous sur les marchés du Midwest qui n'étaient pas exploitées ?
Jake Schneider : Oh-oh. C'est une longue réponse, alors supportez-moi bien !
La musique électronique, comme tous les autres genres, a été de nature si cyclique. Certaines légendes du monde électronique, comme celles de Détroit ou de Chicago, le font depuis que je porte des couches. C'est en fait assez dégoûtant de m'imaginer en couches, mais je veux que les gens sachent que je ne pense pas que moi-même ou un de mes artistes ait "réinventé" la roue ou quoi que ce soit ici.
L'un des principaux facteurs de succès de nombre de nos clients dans le Midwest était le fait qu'il n'existait pas de débouchés à plus grande échelle ni de moyens de faire le lien entre la musique électronique et ma génération sur le plan des tournées en direct à la fin des années 90 et au début des années 2000. Je veux dire que oui, il y avait des raves à cette époque, encore plus avant, et encore plus dans certaines régions d'Amérique, mais cette scène s'était un peu refroidie. Si cela ne faisait pas partie de votre monde, vous et le reste des masses du Midwest connaissaient peut-être la "dance music" et avaient écouté certains des grands artistes européens comme Paul Oakenfold, ou avaient apprécié des singles comme "Sandstorm" de Darude, etc, mais c'était difficile parce qu'il n'y avait pas vraiment de format radio qui le poussait. mais c'était difficile parce qu'il n'y avait pas vraiment de format radio qui le poussait. Ce n'était pas aussi accessible qu'en Europe et dans d'autres endroits du monde. Je viens des villes jumelles (Minneapolis et St. Paul) et j'ai été à l'université de l'Iowa et tous ceux que je connaissais ont mélangé de façon hilarante de la musique dance et l'ont appelée "techno".
Puis, tout a changé pour moi en 2000, quand j'étais en première année d'université, j'avais mon propre PC qui pouvait graver des CD (SICK !!!!!), Napster était en train d'exploser et je suis dans un dortoir avec des vitesses de téléchargement KILLER et je ne fais que déchiqueter de la musique pour jouer et expérimenter. Je dirais que 2000 ou 2001 était le "Far West" de la musique avec la possibilité d'obtenir si librement et si rapidement des albums et des morceaux de n'importe quel artiste, de n'importe où dans le monde. J'ai commencé à écouter de la musique de danse, mais lorsque j'ai commencé à travailler avec SCOPE Productions à l'université de l'Iowa, où j'étais l'acheteur de talents et le directeur des opérations, réservant des concerts pour l'université, mes goûts musicaux se sont rapidement élargis. J'ai rapidement réservé des concerts qui devaient répondre aux besoins de toute une population d'étudiants ayant des goûts musicaux différents, tout en servant les habitants de la ville d'Iowa, de l'Iowa Institute et des environs qui souhaitaient voir des artistes de renom sous des chapiteaux. L'école était essentiellement le centre principal pour la majorité des concerts qui pouvaient accueillir plus de 300-400 personnes car tous ces lieux se trouvaient sur le campus. C'était une expérience assez folle.
Je me souviens cependant exactement du moment où j'ai réalisé pour la première fois que la musique électronique avait une tonne de choses en arrière-plan et qu'elle continuerait à se développer, en particulier dans le Midwest où elle n'avait pas été récemment répandue en dehors de certains marchés et de simples "clubs de danse" - je faisais le DJ quatre ou cinq soirs par semaine dans un énorme bar Big Ten (Go Hawkeyes) appelé "One-Eyed Jake's" (Je m'appelais Jake, donc c'était toujours amusant d'expliquer aux enterrements de vie de jeune fille bourrés que "mes deux yeux vont bien" et que "non, je ne peux pas jouer 'Yeah' de Usher pour la TROISIÈME fois ce soir parce que je viens de le jouer il y a deux chansons, et je suis désolé que la jeune fille pleure parce qu'elle aime cette chanson, mais elle l'a manquée et pouvez-vous dire à vos amis d'arrêter de me jeter des pailles pour pénis d'enterrement de vie de jeune fille".). J'y faisais de temps en temps de la figuration dans son club jumeau, The Summit, où l'on avait un goût pour les pistes de danse "Four on the floor" et où, si je devais être DJ, je devais jouer certains de ces morceaux, mais en fin de compte, j'étais plutôt un gars de Hip-Hop, de R&B et de Dancehall qui faisait tourner les disques à des vitesses de ce genre, qui étaient évidemment un peu plus lentes que les pistes de Tiesto que deux de mes amis imbriquaient dans leurs sets.
Vers la fin de mon mandat à Iowa City, lors d'une de nos réunions SCOPE, un de mes amis, Josh, qui travaillait avec nous à l'organisation, avait pris le temps de me graver de la musique avec The Disco Biscuits et LTJ Bukem. Je ne savais pas ce que j'écoutais, mais je savais qu'il y avait une base de fans, et qu'ils venaient de la côte Est, et que The Disco Biscuits était classé comme un "jam band", mais qu'il avait des sonorités électroniques, et j'ai finalement appris que LTJ Bukem était un artiste électronique Drum & Bass. Je ne savais pas quoi faire avec DnB, où le mettre et ce que cela signifiait jusqu'à ce que je fasse la transition vers la région de Boulder/Denver en 2005.
J'avais été engagé comme agent de réservation par un groupe incroyable de personnes qui géraient une agence de réservation et une société de gestion, parmi de nombreux autres services aux artistes, appelée Madison House. Le groupe était alors très actif dans le domaine du jam-band, et l'un des premiers groupes sur lequel ils m'ont laissé travailler s'appelait LOTUS, mais contrairement à d'autres groupes d'improvisation jammy, leurs albums étaient très différents. L'aspect électronique de l'album m'est apparu plus évident. Je me suis dit : "Whoa, c'est un groupe qui joue de la musique de danse avec une bande de musiciens ridiculement doués". J'ai commencé à sortir davantage à Denver et à Boulder et j'ai réalisé qu'il y avait un plein passage de jam bands, de hip-hop et de musique électronique.
Puis, après les avoir vus à JazzAspen, j'ai découvert un groupe, Pnuma Trio, qui était un trio d'enfants super jeunes inspirés par les artistes électroniques et autres groupes similaires, dont Sound Tribe Sector 9, et qui était fasciné par leur amour de ces différents mondes. Le truc avec tous ces groupes, c'est qu'ils avaient un style Grateful Dead-esque où les gens enregistraient les sets, regardaient les setlists chaque soir sur l'un des dizaines de forums et parce que ces setlists étaient différentes chaque soir, et que les fans étaient tellement passionnés par la musique et le LIVE SHOW, vous aviez des enfants qui tournaient à travers le pays pour les voir soir après soir, comme beaucoup l'ont fait avec The Dead, Phish, Dave Matthews Band, etc.
Cette capacité à vendre des "hard tickets" signifie que les salles sont pleines, et parce qu'elles sont pleines, les promoteurs commencent à comprendre qu'il s'agit d'un tout nouveau monde inexploité et lorsque les festivals "multi-genres" commencent à apparaître partout aux États-Unis, de plus en plus de groupes comme ceux-ci sont inclus dans les programmes. En outre, les festivals "jam" traditionnels ont commencé à engager des DJ et des producteurs plus directs, dont beaucoup ont eu une influence sur le nouveau son "jam-tronica" utilisé par les groupes de cette nouvelle génération. Cela a fait boule de neige. Des groupes comme The Disco Biscuits ont commencé à organiser leur propre festival appelé Camp Bisco. C'était un hybride de tout et n'importe quoi : jam, électronique, indie, hip-hop, etc. Pour la première fois (ou peut-être pour la première fois depuis longtemps), des DJ et des producteurs du monde entier ont été amenés aux États-Unis pour participer à ces événements. De plus en plus de gens ont commencé à venir et j'ai réalisé que nous avions une toute nouvelle scène de fans prêts à se lancer dans tous ces genres.
Et pendant ce temps, vous avez toute une scène de la côte ouest, avec des fêtes underground, des raves, des "rassemblements" sur la plage, etc. et le Burning Man arrive. Il y a eu tant de spectacles issus de ce mouvement. Je parle moins des artistes des raves de Vegas ou de Los Angeles que de ces DJ/producteurs underground et de base qui ont eu des adeptes culte. Burning Man a également attiré certains des artistes de jam les plus libres d'esprit, il y a donc eu une certaine pollinisation croisée là aussi. L'un des groupes les plus importants et les plus adorables de notre liste est The String Cheese Incident, qui est un client de la Madison House depuis le premier jour. Ils ont fait un travail incroyable en créant une musique géniale et une fanbase de tournée, mais ils ont même entrelacé la musique électronique dans leurs sets. Il y a eu une certaine collaboration et amitié entre eux et un groupe que j'ai signé, Bassnectar, dont le spectacle en direct était sans précédent. Si vous demandiez à l'un de ses fans si c'était de la "techno", vous risqueriez de recevoir une fessée. Il jouait et mélangeait tous les genres de musique comme les Breaks, certains DnB à certains moments, plus tard le Dubstep, mais il ne pouvait pas être classé dans un tel genre. Il avait les cheveux longs, comme un gars d'un groupe de métal, et il se tapait la tête pendant la plus grande partie du concert. Ce n'était pas ce que les gens pensaient être un "TECHNO" venant de Los Angeles ou de Las Vegas, c'était une bête complètement différente.
Le Midwest avait une tonne de festivals et de fans de musique différents, et comme tous les fans n'ont pas été élevés à cette époque de rave, ils ont été tout simplement époustouflés que ce type de musique puisse être exécuté sur scène. Le camp d'été de Moe est un excellent exemple de la manière dont on peut traverser les ponts entre la musique live et la musique électronique. Ian Goldberg, de Jay Goldberg Events, a suivi de près les tendances et a réservé les choses que ces enfants voulaient voir ! Il y avait de jeunes promoteurs qui sont maintenant de GRANDS promoteurs qui ont pris un risque sur ces trucs et les enfants n'en avaient jamais assez. Ils voulaient un spectacle "LIVE" et ils l'obtenaient avec ces groupes et les DJ et producteurs qui leur étaient affiliés. Ces DJ ont commencé à adopter les mentalités des groupes en tournée et, ensuite, vous savez que Bassnectar ou The Glitch Mob partent en tournée et que les enfants font TOUTES les dates. Et la croissance s'est faite à un rythme soutenu. Ce n'est pas arrivé du jour au lendemain. Il y avait TELLEMENT de villes à servir auxquelles on n'avait pas prêté attention, et c'était le moment de leur donner de l'amour. Ces DJ européens "méga-clubs" qui étaient payés très cher pour aller à Ibiza une fois par semaine ne venaient pas jouer dans des endroits comme Bloomington, IN ou Madison, WI - deux villes universitaires étonnantes et une petite partie du Midwest en général. Le phénomène s'est répandu comme un feu de forêt et l'ajout de festivals continue à le perpétuer.
Lors de leur développement, certains de ces groupes pourraient tourner pendant 8 semaines et en donner TROIS au Midwest s'ils le souhaitaient. Tant de villes universitaires, tant de marchés mal desservis. C'est en réalisant et en prêtant attention aux fans de ces marchés et villes secondaires et tertiaires que la musique électronique a pu se propager dans le Midwest. Dès que ce genre de choses a commencé à arriver dans le Midwest, les jeunes ont tout simplement mangé. Ils avaient envie de changer de rythme. L'industrie du disque devenait obsolète et tout tournait autour du LIVE SHOW. Il y avait maintenant des groupes électroniques et des DJ qui avaient un véritable LIVE SHOW. Ce n'était pas seulement un petit gars sur scène au milieu d'un feu d'artifice buvant du champagne - c'était quelque chose de complètement différent.
Expliquer l'importance de tout la performance en direct de l'artiste à votre avis, et comment vous sentez que cela a évolué au cours des dix dernières années.
En matière de musique électronique, si vous voulez être producteur et n'avoir ni spectacle ni présence sur scène, alors c'est ce que vous devez être. Mais si vous voulez devenir un artiste avec un aspect de spectacle vivant, alors le son doit être meilleur chaque fois que vous revenez dans une ville ou un lieu. C'est à tel point qu'il y a eu une sorte de "course aux armements" avec des améliorations de production et de technologie et cette mentalité que plus vous avez de basses et de subs, de lumières, de panneaux LED, etc. C'était viable pendant un certain temps, mais la musique devait s'améliorer, progresser et rester dans l'air du temps. La quantité de genres dans la musique électronique est presque comique, mais là encore, ils sont cycliques, donc vous devez rester pertinent et l'une des façons de le faire est de fournir des ensembles que les fans n'oublieront PAS.
D'un point de vue professionnel, quels sont certains des défis auxquels vous êtes confrontés aujourd'hui lorsque vous essayez de coordonner, de préciser ou de réserver l'expérience événementielle parfaite ?
Je pense que l'un des défis les plus difficiles que nous ayons à relever est le fait que pour beaucoup de groupes simples, les fans se sont habitués à une expérience très désagréable dans des salles merdiques mal entretenues, des arènes désaffectées ou des amphithéâtres gênants. Il doit y avoir plus que cela pour se démarquer, c'est pourquoi vous voyez tant d'artistes (et de festivals bien sûr) se concentrer sur l'expérience. Comment faites-vous pour que le consommateur oublie qu'il se trouve dans un lieu portant le nom d'une méga-corporation ? Il y a tellement de façons de le faire, que ce soit par la production, comme je l'ai déjà dit, par le contenu vidéo, par les artistes auxiliaires, par les danseurs, et la liste est encore longue.
Au début, les promoteurs ont eu du mal à comprendre la nécessité de dépenser plus pour ce genre de choses, mais à mesure qu'ils voyaient les artistes grandir et les fans s'engager davantage, ils étaient plus susceptibles d'augmenter les budgets d'expérimentation ou de production des spectacles à l'avenir. Il y a trop de groupes en ce moment et, en fin de compte, la plupart d'entre eux ne sont qu'un nom dans une annonce de salle en dernière page de votre journal local.
Comment peut-on devenir PLUS que cela ?
Vous demandez à votre artiste de vous aider à promouvoir le spectacle. On dit que "les promoteurs ne font plus la promotion". C'est vrai parfois, mais c'est complètement absurde d'autres fois. Cependant, à l'ère du numérique, c'est à l'artiste qu'il incombe de faire passer le message. Si je travaille avec des artistes qui attirent le public et que cet artiste commence à vendre beaucoup de billets, vous feriez mieux de croire que tous les promoteurs du coin vont vouloir vous aider pour le prochain spectacle et vont soit répondre à vos besoins pour transformer la salle, créer une salle dans une salle, soit dépenser l'argent supplémentaire pour faire venir les artistes de soutien appropriés pour compléter le spectacle.
Quels sont les conseils que vous considérez comme sous-estimés pour les nouveaux artistes électroniques qui cherchent à se connecter avec leurs fans parmi tous les statiques ?
Payez vos cotisations. Si vous faites de la musique que les gens aiment, continuez à la faire, mais trouvez d'où elle vient. Ce n'est pas parce que vous avez un single que vous avez droit à un succès sans fin. Laissez couler le jus de la créativité et étudiez ce qui a marché et ce qui n'a pas marché dans le passé, car il y a des leçons à tirer des histoires de TOUS les grands artistes, de Jimi Hendrix aux Beatles en passant par DJ AM !
De même, quelles sont les erreurs courantes que vous voyez les artistes de cet espace commettre au quotidien ?
Ne pas payer leurs cotisations. Manque d'humilité. Et il faut aussi baisser d'un cran. Tu n'as que 22 ans ! N'oubliez pas qu'il y a d'autres artistes qui ont un van de 15 passagers rempli de 8 membres de groupes puants qui jouent dans des clubs de rock tous les soirs, en partageant leur argent. Vous l'avez bien eu !
À quel moment suggérez-vous qu'un DJ/producteur indépendant commence à chercher un agent de réservation ? Quelles sont les compétences qu'il devrait acquérir avant de commencer ?
C'est formidable si un acteur peut se faire une place dans la région où il habite. Il n'y a pas de règle "immuable", mais le fait de pouvoir vendre plus de 500 billets pour un spectacle dans sa ville natale, ou de pouvoir ajouter de la valeur à une affiche avec un de mes numéros parce que vous aiderez le spectacle à mieux se vendre, et de pouvoir vendre 100 à 200 billets dans certaines villes environnantes - tout cela peut créer la base pour avoir besoin et attirer un agent. Il y a cependant des anomalies. Peut-être que l'un de vos partenaires promoteurs a quelqu'un sur son marché qui ne fait pas encore beaucoup d'affaires, mais qui fait de la musique folle. J'ai déjà fait des spectacles à ce niveau. C'est une construction lente, mais cela peut se faire.
En bref : quels sont les plus grands chouchous des agents de réservation dans votre espace et comment éviter d'être "cet artiste" ?
Oh wow, c'est intéressant. Mon attention n'est pas de trouver méchant avec ça, mais dans aucun ordre :
- Je n'utilise pas mon lecteur de CD et tout le monde sait que les CD ne rentrent pas vraiment dans les poches des gens. C'est juste un emmerdeur.
- Arrêtez d'inventer vos propres "sous-genres" de musique. C'est fou comme je reçois souvent des messages du genre "J'ai créé de nouveaux morceaux et ça a un peu l'air World-Step". Ugh.
- Soyez humble et ne causez pas de problèmes aux groupes que vous soutenez. Nous avons eu des groupes qui soutenaient un groupe, qui se plaignaient de leurs salles vertes et d'autres choses insignifiantes. Si vous créez une perturbation, alors vous ne le faites pas bien.
- Il en va de même pour le personnel des sites. SOYEZ BIEN. Ces gens se démènent pour vous et vont naturellement être parfois grincheux. Et vous devrez probablement retravailler avec eux. Nous ne voulons pas de mauvais commentaires sur vous.
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