Note de la rédaction : ce blog a été écrit par Ryan Kairalla, un avocat spécialisé dans le domaine du divertissement basé à Miami, FL. Il a récemment publié Break the Business: Declaring Your Independence and Achieving True Success in the Music Industry et anime également le podcast Break The Business. ]
"On ne peut pas épuiser la créativité, plus on l'utilise, plus on en a." -Maya Angelou
Il y a quelques semaines, je donnais une conférence à la conférence du NAMM à Anaheim, en Californie. Après la conférence, un musicien m'a approché et m'a demandé quelle était la chose la plus importante qu'il devait faire pour réussir sa carrière musicale.
J'ai répondu de manière succincte : "Faites de la musique. Faites beaucoup de musique. Tout le temps."
Je peux dire que ce jeune créateur était plus qu'un peu insatisfait de ma réponse. Il a peut-être pensé que je pourrais donner une longue discussion sur la valeur des médias sociaux efficaces. Ou peut-être s'attendait-il à ce que, en tant qu'avocat, je lui parle de l'importance d'avoir de bonnes structures juridiques en place.
Il est vrai que ces choses sont importantes. Mais si vous voulez faire de la musique, il n'y a rien de plus important que de faire autant de musique que possible. Les musiciens d'aujourd'hui doivent être des "hyper créateurs".
Établissons quelques vérités essentielles sur l'état actuel de l'industrie :
- Il n'a jamais été aussi facile et économique de créer de la musique de qualité grâce aux progrès réalisés en matière de matériel et de logiciels d'enregistrement à domicile à bas prix.
- Il n'a jamais été aussi facile et moins cher de distribuer sa musique grâce à la numérisation de la musique et à l'émergence de plateformes de distribution à bas prix.
- Avec l'avènement des médias sociaux, il n'a jamais été aussi facile et économique de promouvoir sa musique.
- Il n'a jamais été aussi facile et économique de financer vos projets musicaux avec la montée en puissance des plateformes de crowdfunding en ligne.
La technologie moderne a supprimé presque tous les obstacles qui empêchaient les artistes de créer de la musique en permanence et de la partager avec un public mondial. Le fait de pouvoir faire plus de musique signifie que les artistes peuvent avoir plus d'occasions de se connecter avec leurs fans. Cela signifie également que les artistes peuvent avoir un plus grand catalogue de matériel à vendre ou à licencier.
Les musiciens qui réussiront dans ce monde seront ceux qui sauront le mieux tirer parti de ces évolutions. Cela signifie créer beaucoup de musique, bien plus que ne l'ont fait les musiciens des générations précédentes.
Le modèle de création musicale dominant, qui consiste à enregistrer et à sortir un album de chansons tous les deux ou trois ans, a de moins en moins de sens dans l'industrie des musiques nouvelles. C'est un produit d'une époque révolue où la création, la distribution et la promotion de la musique étaient des activités coûteuses, et où il fallait donc regrouper la sortie d'un petit nombre de titres.
Aujourd'hui, c'est une meilleure stratégie que de (1) faire plus de musique et (2) répartir les sorties de votre musique tout au long de l'année afin que vos fans n'aient jamais la chance de vous oublier. Vous pouvez toujours faire et sortir des albums traditionnels si vous le souhaitez, mais ne le faites pas au risque de priver vos fans d'un flux constant de nouveaux titres.
De nombreux musiciens ont effectivement adopté le modèle de l'hypercréation. L'artiste indie acoustique J.P. Kallio, basé en Irlande, a remporté un succès impressionnant en publiant chaque semaine de nouvelles chansons originales. Danielle Ate The Sandwich, basée au Colorado, s'est fait remarquer pour avoir écrit, enregistré et produit un album de chansons en seulement 24 heures (et elle l'a fait deux fois).
Et puis il y a Jonathan Mann, du New Jersey. Mann a écrit et enregistré une nouvelle chanson originale chaque jour depuis huit ans - et ce n'est pas fini. Mann et son catalogue de près de 3 000 chansons ont été diffusés sur ABC, CBS, CNN, MSNBC et HuffPost Live.
Si l'hypercréation vous semble trop décourageante, souvenez-vous de ceci : La créativité est un muscle. Plus vous créez, plus vous devenez prolifique. Inversement, moins vous créez, plus le muscle s'atrophie. Faites de la création une constante dans votre carrière musicale, car chaque chanson que vous produisez vous donne une chance supplémentaire de succès.
Un dernier mot d'avertissement :
En embrassant l'hypercréation dans votre propre carrière, vous devez vous méfier des relations d'affaires qui ne vous permettent pas d'être prolifique dans votre art. Vous ne pouvez pas faire de l'hypercréation si vous n'avez pas une autorité totale sur le moment, la manière et les personnes avec qui vous faites de la musique. Par conséquent, vous devez envisager les accords d'enregistrement exclusifs avec beaucoup de scepticisme.
Ces contrats donnent essentiellement à quelqu'un d'autre (comme un label ou un producteur) le contrôle total de vos projets d'enregistrement. Dans le cadre d'un tel contrat, vous ne pouvez pas faire de musique sans l'autorisation de cette personne, et il est presque certain qu'elle n'approuvera pas que vous créiez de la nouvelle musique chaque semaine. Ils préféreront plutôt l'ancien modèle de sortie : Faire un album, attendre 2 à 3 ans et en faire un autre (en supposant que le label/producteur souhaite toujours enregistrer avec vous).
Dans l'industrie des musiques nouvelles, où la création, la distribution et la promotion de la musique sont si propices à l'hypercréation, les artistes devraient réfléchir sérieusement à l'intérêt de pouvoir créer à leurs propres conditions.
Tags : break the business crowdfunding distribution en vedette en vedette home recording hypercréateur musique indie musique industrie musicale ryan kairalla médias sociaux tunecore